La calle de la vergüenza - Kenji Mizoguchi (1956)

Imagen del póster en IMDb.

Último film de Mizoguchi.

La «Aldea de los sueños» o «Pueblo de ensueño» es un burdel ubicado en la zona de tolerancia de Tokio. Corrían tiempos —en la vida real— en los que se discutía en el parlamento una ley para prohibir la prostitución; esta situación está reflejada en el film. A todas las que viven y trabajan en el lupanar les concierne esta ley y están muy pendientes de lo que se dice día a día sobre ella. La película fue estrenada unos meses antes de que se aprobara dicha ley. Basada en una novela de la escritora nipona Yoshiko Shibaki, cuenta las venturas y desventuras de cinco de las meretrices que laboraban en el «Pueblo de ensueño».

La calle de la vergüenza. Imagen tomada de IMDb.

Las cinco mujeres en las que se centra la historia. Imagen tomada de IMDb.

Mickey (la hermosa Machiko Kyō) es la hija de un industrial de Kobe; se fue de su casa por maltrato del padre. Es la más despreocupada y pragmática de las prostitutas. Su visión es simple: ganar dinero, nada más. También lo gasta. Y más del que gana. Los administradores de la «Aldea de los sueños» le prestan dinero a todas, pero a Mickey más. Un día llega su padre (Toranosuke Ogawa), cabizbajo, para pedirle que deje el oficio y regrese a casa; no les conviene. Una hermana de Mickey se iba a casar con un diplomático y en lo que supo del trabajo de su cuñada se echó para atrás. Tampoco al padre le conviene. Su esposa murió la primavera pasada y él se acaba de casar de nuevo; es mala imagen para un empresario como él que una hija trabaje como prostituta. Mickey se enfurece porque él nunca trató bien a su madre (ella ni siquiera sabía que había muerto) y porque se casó de nuevo tan rápido, sin mediar luto; lo insulta por ello. Para terminar de contrariar a su padre, se le ofrece por la tarifa estándar: 1500 yenes. Él, tildándola de loca, abandona presto el local.

La desenfadada Mickey es la más altiva y bulliciosa. Para Mickey, todo es dinero.
Imagen tomada de IMDb.

Mickey con su padre; al que no le perdona su comportamiento.
Imagen tomada de IMDb.

Yasumi (la hermosa Ayako Wakao) es la que más dinero produce en la casa de lenocinio. Tiene un pretendiente que vive de un salario, es un empleado. Prometiéndole que se casará con él, le quita 250 000 yenes dizque para pagar deudas que ella ha contraído; el sujeto sustrae el dinero de sus empleadores (lo roba). Pero ella no está dispuesta a casarse con él; todo fue una trampa. Él, en un ataque de cólera, para que ella le retorne el dinero, casi la mata. Con el dinero que obtuvo de esta estafa, abre un negocio de venta de telas. Su primer cliente es la mancebía.

La pérfida Yasumi. Para ella también todo es dinero.
Imagen tomada de IMDb.

Yasumi no le devolverá el dinero a su cliente/pretendiente.
Imagen tomada de IMDb.

Hanae (Michiyo Kogure) tiene el esposo enfermo y desempleado y un hijo a los que atender. Ella es el único soporte de la familia. Tiene que lidiar no solo con la indigna profesión que ejerce, sino también con un marido deprimido y enfermo; al que un día lo sorprende ahorcándose y lo detiene. Esta valiente mujer carga con todo el peso de la familia. Un día, su esposo irrumpe en el lupanar y ella se molesta. Los han echado a la calle por no pagar el alquiler. Hanae, entonces, pedirá un préstamo a los administradores del lugar de ensueño.

Hanae es el pilar fundamental de la familia. Su compañero no aporta gran cosa.
Todas las penurias desaparecerían con algo de dinero. Imagen tomada de IMDb.

Yumeko (Aiko Mimasu) es una viuda que cuidaba de su hijo Suichi; pero este ahora es mayor y ha conseguido un trabajo estable como aprendiz en una factoría. En una ocasión, Suichi fue a buscarla al prostíbulo y se dio cuenta del tipo de trabajo que su madre ejercía; es más, la vio insistiéndole a un transeúnte para acostarse con él. Indignado y asqueado por ello, no quiso tener más relación con su madre. Yumeko llama con insistencia a la fábrica y Suichi se molesta; entonces se citan un día en un apartado rincón externo a la fábrica. Ahí, Yumeko le manifiesta su orgullo porque él ha conseguido un trabajo con el cual ambos podrán vivir; pero Suichi la trata con desprecio y llega a empujarla, arrojándola al suelo. Yumeko regresa compungida al burdel y cuando la solicita un cliente reacciona de manera errática: ha perdido la sindéresis. La ambulancia de un manicomio viene por ella.

Suichi ve de lejos a su madre atrayendo clientes de la calle.
No oculta su asco. Imagen tomada de IMDb.

Instantes antes de que Suichi golpeara a su madre para alejarla.
Imagen tomada de IMDb.

Suichi ve a su madre sin ocultar su repulsa.
Imagen tomada de IMDb.

Una ambulancia se lleva a Yumeko, que ha perdido la razón.
Imagen tomada de IMDb.

Yorie (Hiroko Machida), la mayor de todas, ha estado confeccionando su ajuar para casarse con un pretendiente. Las compañeras le ayudan a preparar su equipaje para irse y le aseguran que la nueva ley condonará las deudas de las prostitutas con sus patronos; de manera que parte sin retribuir lo adeudado. Al llegar al destino, se da cuenta de que ser ama de casa es un trabajo esclavo; no consigue un trabajo digno; los pocos disponibles pagan una miseria. El pretendiente quería vivir a costillas de ella. Harta del intento, regresa a la «Aldea de los sueños», a ejercer la profesión de siempre. La triste conclusión de su experiencia es que como prostituta se gana más fácil la vida.

Yorie llora en la despedida que le preparan sus amigas, en la que le han
obsequiado recuerdos. Comenta que le da dolor irse; pero pronto regresará.
Imagen tomada de IMDb.

La más joven de la mancebía es Shizuko (Yasuko Kawakami), a la que maquillan y atavían para estrenarse al mejor postor. El film concluye con Shizuko musitando a los transeúntes para vender su cuerpo. Es la única forma de obtener suficiente dinero.

Sugerente escena final, en la que Shizuko atrae a los clientes para su primera vez;
con timidez pero con determinación. Imagen tomada de IMDb.

La marca Mizoguchi es sinónimo de calidad. Es una buena película, tiene una fotografía en blanco y negro excelente y una puesta en escena muy cuidada. Las actuaciones son de altura y el retrato de la casa de citas que expone es imparcial; habla tanto de las virtudes como de las carencias de las meretrices: no son ángeles ni son demonios, son personas, como los demás; unas mejores que otras. No es, sin embargo, de la estatura de Cuentos de la luna pálida o El intendente Sansho, obras maestras del cine. Una posibilidad que explique su menor calidad quizá sea que, al tratarse de historias paralelas (¡nada menos que cinco subtramas!) en lugar de una única y central historia, se haya disuelto el drama; el argumento se haya debilitado por ello. Pero es muy buena película.

«Soy la nueva Venus», dice la orgullosa Mickey. Imagen tomada de IMDb.

Uno de los elementos más extraños que tiene este filme es la música. Corresponde al compositor Toshiro Mayuzumi, compositor de música contemporánea y electrónica. Algunas piezas que suenan, parecen estar interpretadas por un theremín, su sonido es similar al empleado en películas de ciencia ficción de categoría B. Es muy extraño el empleo de esta música en una película como esta y lo que podría explicarlo es que el autor buscó un distanciamiento entre el espectador y la historia, intentó sustraerle melodrama al relato, para otorgarle cierta frialdad de la que la historia carece.

Como sea; el filme, si no es un alegato en favor de las prostitutas, está muy cerca de serlo. Se muestra la disoluta vida de estas mujeres y su batalla contra la pobreza, a costa de su dignidad; de su autoestima. Solo las salva de la desesperación y de la depresión una actitud fría y calculadora como la que posee la pragmática Mickey. El dinero que ganan por lo que hacen tan solo oculta el aspecto oscuro de la profesión; es el pago mínimo por pasar por alto la dignidad, por barrer con ella. Todo se reduce a dinero porque es eso lo que la sociedad ha establecido como elemento de gámbito para las transacciones de compra-venta de bienes y servicios: dinero. Lo demás son cuentos de camino. Como agravante, no suelen ser estas mujeres el paradigma de lo que es una buena administración.

La mancebía tenía ciertos lujos... Imagen tomada de IMDb.

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La calle de la vergüenza; Street of shame; 赤線地帯; Akasen chitai; Red-light District.

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Reseña en Wikipedia:

https://es.wikipedia.org/wiki/La_calle_de_la_vergüenza

Reseña en Wikipedia en inglés:

https://en.wikipedia.org/wiki/Street_of_Shame

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0048933

Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film588144.html

Y la vida continúa - Abbas Kiarostami (1992)

 

Imagen del póster en IMDb.

¿La búsqueda de... ¿de qué?... dentro del caos?

Unos días después del fuerte terremoto de 1990, un director de cine (Farhad Kheradmand) sale de Teherán con su hijo Puya (Buba Bayour) en busca de una familia que vive en Koker y que había trabajado con él en una película que rodó. A lo largo de la accidentada travesía, interaccionan con gente diversa, se desvían muchas veces porque los caminos están cerrados o colapsados. La película finaliza antes de que el director llegue a Koker; mientras dejó a su hijo con otros niños en un poblado cercano porque quería ver un partido de la copa mundial de fútbol que se celebraba en Italia.

El padre y su hijo saliendo de Teherán. Imagen tomada de IMDb.

Destrucción, caos, muerte, dificultades. Eso es un terremoto.
Esto sí lo reflejó bien la película. Imagen tomada de IMDb.

Es el segundo filme de Kiarostami que he visionado; el primero fue El sabor de las cerezas. La primera mitad de la película es muy aburrida. En El sabor de las cerezas la mayor parte del metraje de la cinta transcurría dentro del automóvil. Aquí puede ser un 75 u 80% del tiempo. Es claustrofóbico y tedioso. En la segunda mitad se aprecian un poco la devastación del movimiento telúrico y el caos generalizado que ocasionó. Los habitantes, muy solidarios y colaboradores entre sí, enfrentan las tareas de la vida cotidiana; pese a que todos tienen familiares muertos bajo los escombros. La muerte se aprecia como algo banal, lejano, circunstancial, no doloroso. Incluso un joven se casó al día siguiente del terremoto a pesar de que murieron varios familiares que irían a la boda. Se casaron para no esperar a que terminase el luto, pues algunos pedirían un año de luto.

Mucha carretera. Más que mucha carretera, mucho automóvil.
Se entiende que —quizá— sea por la escasez de recursos económicos
para rodar algo mejor. No debería ser en un país que nada en petróleo. Anyway.
Imagen tomada de IMDb.

En medio del caos que ocasionó la catástrofe, apenas hay sitio para la belleza, para la cordura, para la reflexión; o para lo que sea que busque el director que vaya más allá de la familia a la que pretende visitar (¿la belleza?, ¿una razón?). Todas las personas están tratando de continuar con sus vidas (tal como sugiere el título de la película) como si nada hubiese pasado. Esta es la sensación que transmite el filme. Llama poderosamente la atención la solidaridad de la gente, su generosidad, su honestidad (nadie anda pendiente de robar al otro) y lo abiertos que son a las preguntas del director; algunas indiscretas, tal como las del personaje Badii en El sabor de las cerezas. También la religiosidad de las personas y su aceptación sumisa de los designios de la naturaleza. Ya era una sociedad caótica y el terremoto le incrementó la entropía en varios órdenes de magnitud.

Hay algunas escenas (pocas, se pueden contar con los dedos de una mano) que tienen una
belleza formal apreciable (aceptable). No solo es debido al terremoto, que acabó con todo,
es posible que el cineasta no era de los que se ocupaban de obtener más fotogramas así.
Imagen tomada de IMDb.

No es un cine que me llame la atención; no le entiendo bien; no le veo la profundidad ni la grandiosidad de una obra maestra del arte; lejísimos de eso. Ni siquiera me gusta la estética, la fotografía; mucho menos la diégesis; tampoco la historia, que no la tiene: es más bien un documental o algo parecido. No es un director de los que admiro. Lo lamento. Seguiré viendo algunas de sus películas por si hallo alguna que me impresione. Por ahora, nanay nanay.

Otro de los escasos planos donde la estética tiene algún protagonismo.
La pintura de la pared es la que se tomó para el póster del film.

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And life goes on; Life, and nothing more; زندگی و دیگر هیچ‎ ; Zendegi va digar hich; Y la vida continúa.

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Reseña en Wikipedia:

https://es.wikipedia.org/wiki/Y_la_vida_continúa

Artículo en Wikipedia en inglés:

https://en.wikipedia.org/wiki/Life,_and_Nothing_More...

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0105888

Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film508667.html

Tiempo de revancha - Adolfo Aristarain (1981)

 

Imagen del póster en IMDb.

La avaricia rompe el saco

Pedro Bengoa (Federico Luppi), ex sindicalista, se emplea en una empresa como dinamitero, oficio en el que trabajó inicialmente y luego abandonó. La empresa lo envía, junto con su mujer Amanda (Haydée Padilla), al sitio de la explotación, un apartado lugar en donde se consigue con un antiguo amigo de luchas sindicales, Bruno Di Toro (Ulises Dumont). Ambos, apartados del ejercicio sindical, aparentan estar tranquilos en este sentido; pero Bruno ha concebido un plan para retirarse a vivir de la indemnización por un accidente de trabajo premeditado: simulará quedar mudo luego de una explosión en la que se colocará en una especie de caverna para protegerse. Incluso lo tiene convenido con un abogado, Larsen (Julio De Grazia). La empresa viola todas las medidas de seguridad, llegando a realizar voladuras con el doble de carga explosiva de lo adecuado; esto favorece los planes de Bruno, pero él necesita un cómplice y la llegada de Pedro Bengoa le ha venido como anillo al dedo.

Al momento de guarecerse en la caverna, Bruno se echa para atrás y Pedro se introduce en las grietas de la roca. Bruno muere en la explosión y a Pedro lo ubica Golo, el chofer que corre (literalmente) de un lado para otro con el jeep llevando al personal. Pedro contacta al abogado y juntos negocian con la empresa mafiosa un arreglo inicial de 300 000 dólares, de los cuales 100 000 le tocan a Larsen por honorarios y viáticos. Pedro se niega y el dueño, Guido Ventura, sube hasta 500 000 dólares la oferta. Contrario a las recomendaciones de Larsen, Pedro se niega, lo que significa que llevarán a juicio el caso. En un primer momento, Larsen abandona a Pedro porque eso no fue lo convenido, pero luego se ofrece para su defensa pero si van a medias. Durante las audiencias, Pedro recibe cintas magnetofónicas con las conversaciones que ha tenido con Larsen y con Guido Ventura; son advertencias de que está siendo vigilado. Pedro se coloca una cinta adhesiva en la boca cada vez que va a dormir; incluso cuando hace el amor con su mujer.

En su primer encuentro con el abogado.
Imagen tomada de IMDb.

Obtienen 200 000 dólares y Larsen toma 60 000, dejándole a Pedro los restantes 140 000. Durante el juicio, Golo atestigua y da fe de las malas prácticas que emplea la empresa en la explotación, lo que puede llevar a averiguaciones posteriores. Luego del juicio, habiendo ya cobrado lo que la sentencia determinó, un vehículo con tres sujetos deja en la acera el cadáver de Golo frente a Pedro. Esto es otra advertencia. Pedro planea irse lejos con Amanda; a sabiendas de que una espada de Damocles se cierne sobre él de forma constante.

En El arreglo, el personaje de Federico Luppi, Luis, tiene un código moral de honestidad máxima; en esta película, Pedro rompe todos los paradigmas que lindan con la honestidad; tan así que hasta su esposa lo deja en el hotel y se va a casa porque ya no soporta la situación. Si bien es cierto que logra arrinconar al mafioso Ventura, no es menos cierto que el arreglo inicial, de 500 000 dólares, era muy superior al logrado a través del juicio. Eso sin contar que ha disparado la ira del empresario delincuente y que puede resultar en su propia muerte. ¿Por qué no aceptó el arreglo? Es de presumir (la película no da indicios al respecto) que lo hizo para poner en evidencia las malas prácticas de la empresa; no porque pretendiera más dinero. Pero su vida ahora está en juego, ya ha visto lo que hicieron con Golo.

Para dormir, y para hacer el amor con Amanda,
se colocaba una cinta adhesiva en la boca. Imagen tomada de IMDb.

Meterse contra el poder omnímodo de grandes empresas es muy difícil en los países que no tienen un sistema judicial robusto. El caso de Erin Brockovich (basado en una hecho real), por ejemplo, sí fue exitoso; porque el sistema judicial norteamericano (con todas las fallas que pueda tener) es independiente y fuerte; en principio superior al sudamericano. Tiempo de revancha presenta un final abierto, pero es fácil adivinar cómo la historia continúa. Dados los antecedentes que muestra el film, podemos anticipar que no será una conclusión feliz. Muy buena la actuación de Luppi y de los demás personajes principales. Excelente película de Adolfo Aristarain. Las escenas relativas a las explosiones no son efectos especiales; deben haberse rodado en un lugar donde se ejecutaban voladuras reales.

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Time for revenge; Tiempo de revancha.

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Artículo en Wikipedia:

https://es.wikipedia.org/wiki/Tiempo_de_revancha

Reseña en Wikipedia en inglés:

https://en.wikipedia.org/wiki/Time_for_Revenge

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0083203

Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film301645.html

Atrapado en el tiempo - Harold Ramis (1993)

Imagen del póster en IMDb.

Tiempo fractal y crecimiento.

El arrogante y narcisista Phil Connors (Bill Murray) es un meteorólogo que presenta el reporte del tiempo en una estación de televisión local de Pittsburgh. Le asignan, de nuevo, ir al pueblo de Punxsutawney, en el mismo estado de Pensylvania, donde se lleva a cabo el 2 de febrero de cada año el día de la marmota, en el que el roedor «vaticinará» si el invierno llega a su fin o continua. Lo acompañarán la productora del programa, Rita Hanson (la hermosa y simpática Andie MacDowell), y el camarógrafo, el despreocupado Larry (Chris Elliott). Viajan el 1 de febrero; a la «prima donna» la alojan en una posada de cierto rango (no quiere regresar al andrajoso hotelucho del año pasado); mientras que Rita y Larry se quedarán en el hotelucho. El día 2 realizan el corto reportaje desde el podio en el que las autoridades locales presentan a la marmota, también de nombre Phil. Cuando se disponen a regresar para llegar a tiempo para el noticiero de las 5 de la tarde, una gran tormenta de nieve les impide el paso y deben regresar al pueblo.

Phil dando el informe del tiempo. Aquí, sopla para enviar las nubes hacia el este.
Imagen tomada de IMDb.

La marmota, que también se llama Phil. Que se llamen igual fue, por supuesto, deliberado.
Imagen tomada de IMDb.

Al día siguiente, a las 6 de al mañana, suena el despertador con la misma canción que sonó el día anterior, I Got You Babe, y los mismos comentarios de los locutores. A medida que avanza la mañana, Phil se va dando cuenta de que es el mismo día anterior. Sin embargo, nadie lo nota; para todo el mundo es el día 2 de febrero (y debería ser el 3), incluso para sus compañeros Rita y Larry. Le suceden las mismas cosas. Así ocurre durante varios días, muchos días. La existencia de Phil pasa por varios estadios (que Harold Ramis y el guionista, Danny Rubin, adecuaron al modelo de Kübler-Ross sobre las 5 etapas del duelo o cómo la gente lidia con la tragedia: negación, ira, negociación, depresión y aceptación). Al principio, luego de la negación, saca provecho de la inexplicable aventura a manera de venganza (ira). Por ejemplo, un día se hace pasar por conocido de una bella lugareña de nombre Nancy Taylor (Marita Geraghty) y obtiene sus datos (dónde estudió, quién fue su profesor de literatura, etc.) y al día siguiente utiliza estos datos para persuadirla de que fueron condiscípulos en la escuela; así logra acostarse con Nancy. Otro día roba un bolso de dinero de un camión de seguridad: como siempre ocurre lo mismo, cronometra el instante exacto en el que el dinero queda fuera del control de los guardias. Cuando pretende aprovechar la situación con Rita, esta —como lo conoce bien— no se lo permite; tampoco le cree lo que está ocurriendo, para ella siempre es el 2 de febrero y él siempre va en la mañana a realizar el reportaje de la marmota, una y otra vez. Logra llevarla hasta la cama pero no hacen el amor ni ella amanece al día siguiente con él; día que será otra réplica sempiterna del 2 de febrero.

Por el aspecto que tiene en este fotograma, no es la primera vez que hace el reportaje
de su tocayo Phil, la marmota. Imagen tomada de IMDb.

Después de varios días iguales, Phil se aburre de hacer el reportaje y pronuncia
solo idioteces frente a la cámara. Imagen tomada de IMDb.

En otra etapa (depresión), obstinado de la monotonía de su vida, comienza a realizar actos irracionales, como secuestrar a la marmota y lanzarse a un precipicio con ella. No muere; al día siguiente, a las 6 de la mañana, suena el despertador con I got you babe. Intenta suicidarse de varias maneras y siempre despierta al día siguiente a las 6 con la misma canción en la misma cama. Y todo el pueblo haciendo lo mismo siempre. Le cuenta a Rita sobre su inmortalidad pero ella no le cree. Harto de su monótona existencia, la cual no puede dar por terminada, utiliza otra táctica: comienza a hacer cosas (aceptación). Estudia medicina y cómo hacer esculturas de hielo; estudia piano porque una de las virtudes que a Rita le gustaría de un hombre es que fuese músico; ayuda a las personas del pueblo, a fin de cuentas ya sabe lo que va a ocurrirle a cada uno; por ejemplo, le salva la vida a un niño que cae de un árbol; le cambia el neumático al vehículo de unas abuelas; ayuda a que una novia se decida a casarse con su novio; le salva la vida a un comensal que se le atoró la comida con la maniobra de Heimlich; le salva la vida a un mendigo que moriría de inanición.

Mañana a esta hora por este mismo canal...
Imagen tomada de IMDb.

Todos los días, la calle tiene exactamente el mismo aspecto.
Imagen tomada de IMDb.

Una de las acciones temerarias de Phil es conducir ebrio sobre la vía férrea, junto a dos vecinos, también ebrios, que conoció en el bowling de Punxsutawney. Imagen tomada de IMDb.

El primer intento de suicidio fue secuestrando a la marmota en una camioneta y
arrojándose a un precipicio. Rita y Larry quedaron estupefactos. Imagen tomada de IMDb.

En una fiesta que se organiza en el pueblo, en la que Phil tocará el piano (ya a estas alturas es un pianista virtuoso), Rita queda sorprendida de este hombre al que todo el pueblo se acerca para agradecerle su acciones y que no conocía. En una recaudación de fondos benéficos, Phil es subastado junto con otros hombres y Rita paga todo lo que tiene por ganar la velada con Phil. Esa noche descubre al verdadero hombre que es Phil y ambos se enamoran. Esta vez sí amanece con él en la cama y a las 6 de la mañana del día siguiente suena otra melodía que no es I got you babe. Es 3 de febrero, ¡por fin! Phil, sorprendido, se asoma por la ventana y ve la diferencia: ha nevado y nadie está en la calle. Sale como loco a celebrar que se ha roto el bucle; le ofrece a Rita casarse y establecerse a vivir en Punxsutawney. Más detalle del argumento aquí.

Otro de los intentos de suicidio fue con una tostadora de pan en la bañera. Ningún intento funcionó.
Al día siguiente, a las 6 de la mañana I got you babe de nuevo...
Imagen tomada de IMDb.

Mientras Rita tiene buen semblante, Phil luce sombrío, hastiado de vivir todos los días lo mismo.
Imagen tomada de IMDb.

Es una película de romance y posee discretas y acertadas dosis de humor, pero también lo es de crecimiento, a pesar de que el protagonista no es adolescente, es un hombre hecho y derecho. El Phil que llegó a Punxsutawney era arrogante, un engreído y egoísta, una persona de difícil trato, frustrada, inconforme con su vida y con todos los que le rodeaban. En el singular proceso temporal ha florecido un Phil auténtico, sustancial, con gran calidad humana; un hombre que está en las antípodas de aquél antipático e inmaduro narrador del clima; capaz de hacer cosas por otros por la satisfacción de hacerlas, sin esperar nada a cambio. La vida, a través de esta extraña experiencia, le dio la oportunidad de madurar, de crecer lo suficiente como para ser merecedor del amor de alguien como Rita; es decir, obtuvo su recompensa pese a que no hizo lo que hizo con la intención ex profesa de obtenerla.

Con Nancy Taylor, un romance pasajero en los inicios del bucle de tiempo fractal.
Imagen tomada de IMDb.

Cuando se baña, no tiene agua caliente y —al comienzo— monta en cólera.
Imagen tomada de IMDb.

No deja de ser llamativo que una trama tan simple —y fantasiosa— como es la de detener el tiempo tenga consecuencias tan amplias y variadas como esta historia las plantea. El crecimiento: pasar de ser un misántropo que desprecia a sus congéneres a alguien que observa el imperativo kantiano, en el que el otro es un fin en sí mismo, define un arco dramático que es «dramático» literalmente; al tiempo que motiva al público en la confirmación de que siempre se puede ser mejor. La eternidad: la eternidad se planteó —en una de las etapas— como algo indeseable(1): Phil busca suicidarse cuando no ve sentido a llevar una vida monótona, sin objetivo alguno; pero es el mismo Phil que, al no poder llevar a cabo el suicidio, emplea esa aparente eternidad en mejorar como persona; proceso en el cual —no podía ser de otra forma— hace cosas por otros; esto alecciona y gratifica, tanto al personaje como a los espectadores. El amor: aparece como premio, como un privilegio al que puede optar solo quien hace mérito para ello; Phil, al comienzo, está muy lejos de alcanzar y de ser digno de tal presea.

Ayudando a un viejo mendigo. En el hospital muere y esto inquieta a Phil.
Comienza, entonces, su largo camino de crecimiento personal.
Imagen tomada de IMDb.

Para que esta historia sea exitosa los espectadores debemos condescender un poco, suspender la incredulidad (eso lo hacemos en todas las películas, no solo en esta) y pasar por alto algunas inconsistencias de este singular mundo; cuales son, por ejemplo, que el pasar del tiempo es percibido solo por Phil; lo que quiere decir que él debería envejecer, pero nadie envejece en el filme. Las oportunas elipsis evitan la incoherencia que hay entre sus intentos de suicidio y un mágico nuevo despertar al día siguiente a las 6 de la mañana; lo que no deja de ser un poco de deus ex machina. Pero estas racionalizaciones no permiten disfrutar de la película y hemos de claudicar para ello.

 

Uno de los varios oficios que aprende en su interminable día es cómo esculpir hielo.
Imagen tomada de IMDb.

Según se cuenta en Wikipedia, el germen del guion le vino a la mente a Danny Rubin cuando leía Lestat el vampiro, de Anne Rice, y reflexionó sobre la inmortalidad del vampiro y qué haría alguien si tuviera su tiempo ilimitado. Razonó que los vampiros son como personas normales pero sin verse obligados a seguir las mismas reglas o límites morales. Se preguntó cuándo se volvería aburrida o inútil la existencia, y cómo una persona cambiaría con el tiempo, especialmente si esa persona era incapaz de un cambio sustancial dentro de su propia finitud. Serias implicaciones filosóficas pueden desprenderse de un argumento de tal índole.

Phil es el alma de la fiesta. Ahora sí es digno de Rita y ella piensa que ella lo es de él.
Imagen tomada de IMDb.

Rita lo «compra» por trescientos y tantos dólares para pasar la noche con él.
Imagen tomada de IMDb.

Desde el punto de vista cinematográfico, el filme está muy bien realizado. Las actuaciones de Murray y MacDowell son excelentes. La ambientación y la fotografía también. Esta película ha sido seleccionada para formar parte del exclusivo grupo de filmes del National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de EUA por su significancia histórica, cultural y estética. Lo merece.

Bailando con Rita en un gazebo. El día siguiente será 3 de febrero, ¡al fin!
Imagen tomada de IMDb.

El 3 de febrero la calle cambia de aspecto. Imagen tomada de IMDb.

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(1) Tal como en otros filmes, por ejemplo, La milla verde (o Milagros inesperados), en el que el policía Paul Edgecomb (interpretado por Tom Hanks) recibe como castigo una larga, larguísima vida, en la que verá morir a todos sus descendientes. También a Drácula le suele horrorizar (por lo menos irritar) esa eternidad que nunca termina y que más parece un castigo que un don.

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El día de la marmota; Atrapado en el tiempo; Hechizo del tiempo; Groundhog day.

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Artículo en Wikipedia:

https://es.wikipedia.org/wiki/Groundhog_Day

Extenso artículo en Wikipedia en inglés:

https://en.wikipedia.org/wiki/Groundhog_Day_(film)

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0107048

Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film245798.html

Drácula de Bram Stoker - Francis Ford Coppola (1992)

Imagen del póster en IMDb.

El eterno conde de Transilvania.

Drácula, protagonista de la celebérrima novela de Bram Stoker, es un personaje del que se han realizado numerosas películas; es uno de los más representados en el cine, con más de 140 filmes (lista aquí). También en televisión, totalizando más de 200 referencias (lista en este enlace). Y en teatro. Desde el primer film que lo llevó a la pantalla, el clásico Nosferatu de Murnau, obra maestra del expresionismo alemán; pasando por versiones cómicas, como Drácula, un muerto muy contento y feliz de Mel Brooks; o de estética onírica como el Nosferatu, el vampiro de la noche, de Werner Herzog (con la música alucinante de Popol Vuh y de Florian Fricke y una memorable interpretación de Klaus Kinski); es uno de los personajes más trillados por el cine. No es el único, hay otros personajes reiteradamente llevados a la gran pantalla, como King Kong, Frankenstein, Los tres mosqueteros, Alicia (la del país de las maravillas), Hamlet, Batman, Superman y pare usted de contar. De manera que si al gurú del cine, don Francis Ford Coppola, le pareció procedente rodarla, fue por algo.

El príncipe Vlad, también personificado por Gary Oldman, recuerda a su amada
Elisabeta (Winona Ryder). Imagen tomada de IMDb.

El conde Drácula. Nótese el estrambótico peinado de Gary Oldman.
Imagen tomada de IMDb.

Esta versión se ciñe de forma fiel al libro de Stoker; ya lo adelanta cuando en el título figura que es el Drácula de Bram Stoker, no otro. Claro, Coppola se tomó algunas licencias, en particular en el comienzo y en el final; pero ya sabemos que no siempre se puede (o se debe) plasmar en pantalla lo que está en un libro mucho más detallado. En cuestión de dramatización, el cine cuenta con pocos minutos para cada parte significativa de un libro y debe condensar las acciones, a veces cambiándolas un poco, o dándoles cierto contexto.

 

El conde Drácula en su apariencia de hombre común. Cuando no está presto a
realizar maldades, tiene apariencia normal; pero cuando lleva a cabo perversidades, 
se convierte en una criatura demoníaca. Imagen tomada de IMDb.

Las concubinas de Drácula. Bellucci a la derecha. Imagen tomada de IMDb.

El comienzo tiene una introducción en la que cuenta el amor inconmensurable entre el conde Vlad (príncipe real que parece ser que inspiró a Stoker) y su amada esposa Elisabeta; personajes que están actuados por Gary Oldman y Winona Ryder y que se encontrarán cuatro siglos después; despertando entre ellos el viejo amor. El conde va a la guerra y a Elisabeta le llega la mal intencionada y falsa noticia de que su amado ha muerto en batalla, por lo que ella se suicida (algo parecido a Romeo y Julieta, pero en lugar de veneno, Elisabeta se lanza por una ventana). Transcurren cuatro siglos y el joven Harker va hasta el castillo de los Cárpatos para venderle medio Londres al conde... (argumento de la novela en este enlace).

El conde, al igual que en otros filmes, muestra una sexualidad ambigua,
¿acaso bisexualidad? Imagen tomada de IMDb. 

Harker en el castillo de su anfitrión, el sanguinario Drácula, cuya sombra es autónoma.
Imagen tomada de IMDb.

El personaje del doctor van Helsing corre a cargo de sir Anthony Hopkins.
Muy bien Hopkins, como siempre. Imagen tomada de IMDb.

La ambientación es intachable, es una película hecha con recursos suficientes para no pecar por defecto. Lo mismo es el vestuario (que obtuvo un Óscar, al igual que los efectos especiales y de sonido), los maquillajes y los peinados; entre los que resalta el estrafalario peinado del conde Drácula, personaje a cargo de Gary Oldman, que lo hizo muy bien. El resto del reparto es de primera categoría: Anthony Hopkins como el doctor van Helsing (siempre impecable Hopkins); la ya mencionada Winona Ryder como Mina Murray, en una actuación correcta, diríase que buena; Keanu Reeves como Jonathan Harker (esposo de Mina), muy deslucido en este papel; entre otros actores y actrices de renombre, entre las que destaca la bellísima Monica Bellucci como una de las concubinas del conde de Transilvania.

El componente erótico no fue dejado de lado en este film. Aquí, Mina ve con su
amiga Lucy Westenra (Sadie Frost) un ejemplar de Las mil y una noches en el que
hay ilustraciones de parejas copulando. Imagen tomada de IMDb.

El erotismo está patente en la tensión sexual entre Drácula y Mina, entre Drácula y Lucy,
entre las concubinas y Harker. Aquí, una de estas aborda a Harker. Imagen tomada de IMDb.

También hay espacio para el erotismo lésbico. Imagen tomada de IMDb.

El bien contra el mal; la lujuria y lo erótico; la inocencia y la candidez; el pecado y la maldad; el amor eterno y la bondad; la salvación del héroe (y de su mujer, la heroína); la religión y la ciencia (fe y razón o mito y ciencia); el castigo del villano (que es el protagonista); la inconveniencia de la vida eterna; son algunos de los varios temas que toca; los mismos de la novela. Sobre una interpretación «académica» del libro (o del personaje) se puede comenzar consultando este enlace (en inglés): interpretaciones que van desde que el libro es una acusación contra Oscar Wilde hasta que Drácula personifica el capitalismo monopolista. Hay cualquier cantidad de interpretaciones, cada una para el gusto del interpretador y cada una más traída de los pelos que otra. Cada lectura está conectada no solo con el sujeto que lee, sino también con el contexto histórico, social y político en el cual se interpreta la novela. Como sea, es un clásico del que el cinéfilo debe ver por lo menos una media docena de versiones. Además de las mencionadas en el primer párrafo y la de Coppola; hay otras que se pueden visionar, como Entrevista con el vampiro; alguna en la que Drácula haya estado interpretado por el magnífico Christopher Lee (trabajó en varias) y, por supuesto, alguna en la que el papel de Drácula recayese en Béla Lugosi, gran actor anterior a Lee; puede ser Drácula (de 1931), dirigida por Tod Browning.

En la versión de Coppola, el conde (convertido en criatura demoniaca) se redime
pidiéndole a su amada Mina que acabe con su vida, evitándole a ambos el martirio de la
eternidad. Este final fue una idea sugerida por George Lucas. Imagen tomada de IMDb.

Imagen del póster en Filmaffinity.

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Drácula; Drácula de Bram Stoker; Dracula; Bram Stoker's Dracula.

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Artículo/reseña en Wikipedia:

https://es.wikipedia.org/wiki/Drácula,_de_Bram_Stoker

Artículo/reseña en Wikipedia en inglés:

https://en.wikipedia.org/wiki/Bram_Stoker's_Dracula_(1992_film)

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0103874

Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film763705.html