Bienvenid@

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Este blog no es de crítica especializada ni académica, solo de comentarios «al dente» de un espectador común.

Advertencia: destripe.

Algunos comentarios hacen referencia a momentos claves del argumento o al desenlace de este (destripe, spoilers).

03 abril 2020

Vida/perra - Javier Aguirre (1982)


Imagen tomada de IMDb.

¿El cine mínimo?


Si se tratara de etiquetar, esta obra es parte del cine experimental. Una sola actriz en un monólogo, de noventa y tres minutos, en el que da rienda suelta a la memoria y nos cuenta sus frustraciones, sus querencias, sus fobias, sus ilusiones, sus carencias (pero no hay historia o hilo dramático per sé). En algunas ocasiones, Esperanza Roy, la actriz, quien fuera la esposa del director, Javier Aguirre Fernández, cumple con las dos partes de un diálogo virtual con su madre, su hermana u otro personaje. Todo refiere al pasado, a un pasado que la trajo al desencantado presente que padece. 

El personaje que encarna Esperanza Roy, Juanita Narboni, está presa de su propio corsé moral y dentro de ella bulle un torrente de anhelos, deseos reprimidos, carenccias afectivas, envidia y celos hacia su hermana, incluso cierto resentimiento hacia su madre y su padre. El abanico emocional y sentimental de Juanita es interpretado muy bien por Roy, permitiendo mostrar todas sus aristas, las redondeadas y las cortantes por igual. Su desolado y deprimente presente parece consecuencia no solo de acciones de las personas que le rodearon, también es producto de ella misma.

Debe ser muy difícil realizar una película de este estilo, tanto para el director como para la actriz. Pero le quedó muy bien, a diferencia de La inútil muerte de mi socio Manolo, en la que a pesar de contar con dos actores, no tiene la fuerza dramática que la sola Esperanza Roy supo imprimirle a esta película en una soberbia actuación. Incluso tiene segmentos, frases del guion, con sesgos poéticos. El filme está basado en el libro La vida perra de Juanita Narboni, de Ángel Vásquez Molina. Este libro volvió a adaptarse en 2005 para el filme homónimo por la directora Farida Benlyazid. En la ficha de esta cinta en IMDb, sin embargo, se aprecian muchos actores: la adaptación habrá de ser muy distinta a la de Aguirre.

Javier Aguirre, según la reseña de Wikipedia, fue «...el más interesante director experimental español,...» durante el destape de la España de la Transición. A tal punto, que parece ser que fue quien acuñó el término «anticine». Dice su sitio web: «Sus cortometrajes del ciclo del "Anticine" fueron adquiridos recientemente por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y se muestran en el mismo como parte de su colección permanente».

La proyección de este filme en la Academia de Cine el cuatro de diciembre de 2019, coincidió con el día del fallecimiento de su director. Fue, a decir del presidente de la institución, una manera de rendirle homenaje póstumo. La proyección iniciaba a las 17 horas, la misma hora en la que comenzaba su velatorio.



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27 marzo 2020

Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles - Chantal Akerman (1975)


Imagen tomada de IMDb.

Nada pasa, todo cambia.


Recientemente, el Museo Reina Sofía y la Filmoteca Nacional (cine Doré), han organizado una completa retrospectiva de la filmografía de Chantal Akerman, poco conocida cineasta belga. El lema de la retrospectiva es el mencionado arriba: nada pasa, todo cambia. Esta breve y aparente antinomia sintetiza, de alguna manera, el cine de Akerman.

Se trata de un cine experimental, un tanto difícil de ver, al menos para el espectador que espera encontrarse con una historia que tenga un hilo narrativo en el que un personaje confronta un conflicto y sale airoso o no de esa confrontación. Nada que ver. Sus filmes son registros que atestiguan el pasar del tiempo, tal como ella misma afirmó(1), sin que nada sobrevenido ocurra; atestiguan la cadencia lenta y aburrida de la existencia en un mundo contingente que aliena a la persona. Los largos planos secuencia, la mayoría planos generales, en ocasiones son —para los efectos visuales— fotos fijas sobre las cuales se desliza Chronos. Muchas escenas son claustrofóbicas y, en algunas, se selecciona una pequeña abertura de luz (ventana, puerta, pasillo, calle), dejando el resto de la pantalla a oscuras, aumentando la sensación de encerramiento. Encerramiento y tiempo inexorable que transcurre mientras nada sucede podrían señalarse como algunas de las propiedades formales más resaltantes de sus filmes. Otras son el mínimo uso del diálogo y los encuadres cartesianos de las tomas, adecuándolas a la arquitectura circundante de la escena.


Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles.

Esta icónica película es considerada su obra más importante; para muchos un manifiesto feminista. Quizá sea su obra de ficción más accesible al público, quizás también la más vista. Jeanne (interpretada por la hermosa Delphine Seyrig) es una viuda que se prostituye para sobrevivir con su dócil hijo adolescente en Bruselas. Durante las tres horas de película (que representan tres días contiguos en su vida) la vemos realizar todas las labores del hogar siguiendo un monótono ritual con actividades cíclicas, repetitivas y asfixiantes, que van haciendo mella in crescendo en el personaje; a pesar de que la vemos en apariencia impertérrita ante su insípida y áspera vida. Es la perfecta ama de casa, pero para ello trabaja incesantemente día tras día, haciendo siempre lo mismo (quien haya hecho las labores del hogar sabe lo ingrato que son dichas labores). Uno como espectador sospecha que, tarde o temprano, estallará. Esta expectativa se mantiene a lo largo de toda la película, ahogando también al espectador.

Algunas características de esta cinta son: largos planos secuencia, típicos del cine de Akerman, algunos —como se dijo arriba— casi son fotos fijas por las que se desplaza el tiempo; sonido directo; mínimos diálogos (solo dos de ellos trascendentes —y cortos—, de ella con su hijo); mínimas elipsis; ausencia de música extradiegética; impecable actuación de Delphine Seyrig, que luce imperturbable en todo momento, con un rostro inexpresivo —que, sin embargo, algo nos dice sobre la alienación del personaje—, a excepción de los momentos que comparte con su hijo, en los que es más sociable; encuadres cartesianos(2), que van de la mano de la arquitectura del recinto donde se rueda la escena, tal como en el cine de Yasujirō Ozu (ver, por ejemplo, Cuentos de Tokio) o en el de Carl Theodor Dreyer.

Hay detalles muy cuidados en esta película. Por ejemplo, los personajes (Jeanne y su hijo) siempre apagan las luces de la habitación que abandonan, nunca las dejan encendidas; todo está en su lugar siempre, no hay lugar para el desorden; las cosas se utilizan de manera racional: el periódico sobre el que coloca los zapatos de su hijo cuando los cepilla lo dobla y lo guarda para volverlo a usar. Es un mundo tan ordenado, tan cartesiano y determinista que —uno sospecha durante el visionado— terminará por desesperar a la viuda. Es la rutina aplastante que se desarrolla a lo largo del tiempo. Abunda en sutiles detalles, como en la escena en la que está con su hijo en la mesa (que recoge el afiche de la película), y ella gira los frascos de sal y pimienta, que estaban paralelos a los bordes de la mesa y del mantel, para que formen un ángulo y no estén dispuestos de manera tan cuadriculada. Este sencillo gesto nos habla sobre la frágil situación en la que está inmerso el personaje en su rígida existencia, al tiempo de que nos dice que el personaje está en conocimiento de ello. Es una gran película, sin duda.

Uno no deja de preguntarse si en el alma de Chantal Akerman también anidaban las mismas ansiedades y angustias de personajes como Jeanne,... pues se suicidó en 2015, poco después de morir su madre, de quien era muy cercana.


El cine sin cine

Si alguien tomase una cámara, se la colocase sobre su cabeza y anduviese con ella durante un día típico de su monótona vida, resultaría una cinta similar a las que hizo Chantal Akerman. Una diferencia notable sería que sus tomas gozan de gran estabilidad y, muchas de ellas, han sido realizadas con cámara en trípode o sobre rieles para trávelin. El sonido, si bien directo, fue modificado en posproducción (en la mayoría de los filmes visionados), exagerando algunos sonidos y atenuando otros. La cineasta belga filmaba para ella, no para el público. Sus películas son intimistas y están más dirigidas a sí misma, a resolver un conflicto de ella —que bien puede ser el de mucha gente—, no a contar una historia a través de un relato tradicional. En tal sentido, se trató de un cine disruptivo, pero de ninguna manera un cine para las masas ni nada que se le parezca. A excepción de Jeanne Dielman, que es soberbia, aunque no es fácil de ver.

Es un cine... desnudo de cine, diríase que naturalista. Filmó —en particular en los documentales— el mundo tal cual es, sin ningún adorno, sin ninguna concesión, incluso pareciera que sin preparación previa. La cruda realidad sin más, sin ningún aderezo. En las antípodas del cine como evasión de la realidad. Incluso en las de ficción.

¿Qué llevó a la directora a realizar estas películas?, ¿será que no se sentía capaz de hacer una película «normal» o solo quería contestarse a sí misma? Dejando aparte consideraciones intelectuales sobre su cine(3), que lo ensalzan más allá de donde uno podría hacerlo y de donde uno lo entiende, no es un cine ni por asomo convencional, ni siquiera es no convencional, es experimental; no es el que uno vería de nuevo por el mero gusto de verlo, solo lo vería para tratar de entender dónde estriba su grandiosidad (a excepción de cintas como Jeanne Dielman, claro); muy difícil de percibir luego de haber visto películas de notables cineastas que tratan temas, también propuestos por Akerman, de manera menos enigmática. La alienación del individuo, la soledad, el transcurrir del tiempo, el papel de la mujer en la sociedad, han sido tópicos muy bien llevados a la pantalla por grandes maestros del cine sin recurrir a lenguajes elitistas, que solo comprenden los especialistas del séptimo arte. ¿Es necesario, o imperativo, realizar películas con este lenguaje? ¿Por qué no aprovechar la propiedad que tiene el cine de ser accesible por mucha gente para hacer una denuncia, o tratar un tema cualquiera, empleando un lenguaje más sencillo, más universal?


Imagen tomada de IMDb.
Última película, en la que muestra
su cálida relación con su madre.


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(1) «En mis películas puedes ver el tiempo pasar», dijo. Y no le faltó razón.
(2) La cámara, casi siempre fija y sobre trípode, o sobre rieles en caso de trávelin, es colocada paralela a una pared, perpendicular a la pared ortogonal a aquella, tal como el maestro japonés.
(3) Se pueden conseguir muchos en internet sobre ello. Abajo algunos enlaces al respecto.

Chantal Akerman en Wikipedia: 
En Wikipedia (inglés):
https://en.wikipedia.org/wiki/Chantal_Akerman
Reseña de la retrospectiva en el sitio web del Museo Reina Sofía:
https://www.museoreinasofia.es/actividades/chantal-akerman
Ficha de C. Akerman en IMDb:
https://www.imdb.com/name/nm0001901/
Artículo sobre su cine:
Ensayo académico sobre su última película (No home movie), en inglés:
Reseña de su muerte en El País:


20 marzo 2020

La avenida del sol - Leander Haußmann (1999)


Imagen tomada de IMDb.

Una sátira sobre la Alemania «democrática».


También llamada Sonnenallee, esta cinta es una divertida sátira sobre la vida en las inmediaciones del Muro de Berlín en los años setenta del siglo XX, vista a través de la mirada de los jóvenes de la Cortina de Hierro. Pese a las vicisitudes que sufren los pobladores de la Alemania mal llamada «democrática», los jóvenes tratan de vivir la vida como si la cosa no fuera con ellos, tratando de divertirse y de consumir productos del oeste, del mundo libre, en especial la música y los libros. En esta película varias historias se entrelazan, mientras que el relato central es una típica historia de amor. Michael (Alexander Scheer) logra el amor de la hermosa vecina Miriam (Teresa Weißbach) solo después de ofrecerle la lectura de sus ficticios diarios. Como no los tiene, los escribe apresuradamente comenzando desde el día posterior al que, de niño, aprendió las letras del abecedario :)

Muro de Berlín. Imagen tomada de Wikipedia(1).


Lo más notable del filme es, sin duda, el que haya logrado entretener al tiempo de ridiculizar la vida en Alemana oriental a través de un humor frontal, en el que —en ocasiones— es condescendiente con el régimen comunista de la Alemania del este (quizás para reivindicarse con el público del este). A pesar de esa condescendencia, no deja de ser hilarante e hiriente. Es una visión distorsionada, no era así la vida tras el muro, era trágicamente más seria, pero se toma la licencia de hacer humor con ese tema, tal como lo hizo La vida es bella, que logra hacernos reír con escenas emplazadas en pleno campo de concentración nazi. Es muy difícil realizar esa hazaña sin herir sensibilidades.

Algunos chicos de la Alemania del este quizás hayan tenido vidas así y, al contrario, algunos de la Alemania del oeste hayan tenido vidas tristes, pero no era lo común. Una escena de recordar: en la escuela, la maestra le dice a los niños los países en los que los niños lo pasan mal: EUA, Noruega, Francia,... Cabe mencionar que el director, Leander Haußmann, nació en Alemania oriental, al igual que varios de los actores, entre ellos los protagonistas antes mencionados.


Cruzando hacia Berlín Oeste en 1989.
Imagen tomada de Wikipedia(2).


Es de advertir que, sin embargo, no todos los espectadores son permeables a este humor. A muchos, que quizás tuvieron familiares o relaciones con gente reprimida tras la Cortina de Hierro (o no), el filme no les provocó la más mínima gracia. En ningún momento, ninguna de las escenas...


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(1) Fotografía del Muro de Berlín tomada en 1986 por Thierry Noir en Bethaniendamm, Berlin-Kreuzberg.
(2) Fotografía tomada por Ralph Hirschberger, en Allgemeiner Deutscher Nachrichtendienst - Zentralbild (Bild 183), fecha 21 de febrero de 1990.

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16 marzo 2020

Berlín está en Alemania - Hannes Stöhr (2001)


Imagen del afiche en IMDb.

Sobre la dura integración de las Alemanias


1989, poco antes de la caída del Muro de Berlín. Martin y Manuela están recién casados y viven en la RDA; ella está embarazada. Un chivato del partido comunista descubre en su hogar herramientas para escapar de Berlín oriental y las confisca. Martin, en un arrebato de ira le pide las herramientas y lo empuja, matándolo accidentalmente. Está en prisión unos diez años. Al comienzo de su cautiverio el muro cayó y al salir, Martin ve un mundo que le es ajeno. Incluso su mujer vive con otro hombre (Wolfgang) y Rokko, su hijo, ya es un chaval de diez años. Consigue un trabajo mediocre en una tienda de vídeos pornográficos y shows eróticos que es de un conocido de prisión. Evita que otro compañero de presidio se suicide y contacta con otro que es taxista, cubano. Estudia para la licencia de taxista pero se la niegan por tener antecedentes penales. Luego la policía descubre en la tienda porno en la que trabaja, material prohibido y él logra escapar; busca guarecerse en la casa de Manuela pero Wolfgang llama a la policía. De nuevo es encarcelado, aunque por poco tiempo, pues el dueño de la tienda se entrega y, en un acto noble, le salva el pellejo a Martin. Le confiesa a Manuela que no podría soportar de nuevo la prisión, ella lo besa. Aún quedan las cenizas de un gran amor. Después sale de prisión y su amigo el taxista cubano lo recoge.

No deja uno de recordar la célebre película El matrimonio de María Braun, que solo duró un día porque el esposo tuvo que ir a la guerra. En esta historia, los recién casados son separados por la prisión y luego por la historia. Martin llega a un mundo que desconoce y del cual ignora las reglas básicas; se adapta pero aún así tiene dificultades inherentes a su condición de expresidiario. Se logra vislumbrar un mejor futuro cuando sale de la cárcel en la segunda ocasión, al final del filme. Hay esperanzas no solo de redención, sino de encauzamiento de su vida; quizás, incluso, de su vida con Manuela y Rokko, el hijo de ambos, a quienes ha querido acercarse (y ellos no lo han evadido) y con ellos recuperar su vida. La actitud colaboradora de Manuela, pese a la resistencia de su amante, es algo que destaca en la historia y da esperanzas a Martin, quien todavía ama a su mujer (y ella parece que también lo ama a él). Es notoria, también, la relación de respeto mutuo entre ellos dentro de un ambiente un tanto enrarecido por la súbita aparición de Martin en sus vidas.

Es un filme bien realizado y habla de un tema duro, triste, como lo fue la separación de las familias por el Muro de Berlín y por la Cortina de Hierro; porque el crimen por el que él fue sentenciado no es tema relevante; lo es la separación, la rotura de las familias en la Alemania dividida de la posguerra. Un precio muy alto que pagaron los alemanes por culpa de haber tenido una escoria de gobierno como lo fue el régimen del partido nacionalsocialista obrero alemán.


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13 marzo 2020

Los sobrevivientes - Tomás Gutiérrez Alea (1979)


Imagen tomada de IMDb.

¿La involución de la burguesía es la barbarie?


Los miembros de la familia Orozco se separan: el hijo menor de la matriarca se la lleva a Estados Unidos, así como a su familia, mientras que el resto permanece en Cuba. Son los inicios de la revolución comunista que destruyó a ese país. Sebastián Orozco, el paterfamilias, el hijo mayor de la dinastía y marqués de Orozco, encarga a Vicente Cuervo, un allegado colaborador, para que disponga de los bienes e inversiones de la familia, o sea, lo nombra lo que ahora se llama con rimbomba CEO. 

Deciden enclaustrarse, tal cual los burgueses de El ángel exterminador, de Luis Buñuel, en la hacienda Santa Bárbara, sede del emporio Orozco, junto a su ejército de sirvientes, y tratan de sobrellevar los eventos revolucionarios con la esperanza de que será algo temporal, que en corto tiempo se disipará. Se aprovisionan de víveres y de dinero y viven aislados del resto de la sociedad. Pasa el tiempo y los víveres, que antes llegaban en camiones, ahora llegan en carretas tiradas por bueyes. A medida que empeoran las cosas, va retrocediendo su civilidad y, ante un conato de alzamiento de la servidumbre, deciden esclavizarlos. Luego de una revuelta, en la que hay muertos de ambos bandos, quedan menos integrantes de la familia, ahora sin sirvientes que trabajen por ellos. 

Progresivamente se observa el deterioro físico de las instalaciones, el monte crece y sustituye a los cuidados jardines de antaño, las cortinas se rasgan, todo está sucio y mucho mobiliario destrozado; el desánimo, la desesperanza y el hambre se hacen dueños de los que quedan. Un día cazan un gato y se lo comen entre los que están dispuestos a trabajar. En esa cena, los jóvenes establecen que el que no trabaja no puede comer. Así, ponen a trabajar incluso a la más vieja de las mujeres como espantapájaros para ahuyentar los pájaros, pero los buitres dan cuenta de ella. Una de las mujeres, que no estaba dispuesta a trabajar, se suicida. Uno de los jóvenes mata a su primo y a su prima (que se supone que se iba a casar con él) porque los ve juntos en la jungla (antes jardín). Al final, quedan solo tres integrantes, un viejo, una vieja y un joven. La vieja muere de un rayo y el joven dice que quedó «cocinada». Ante esta grotesca frase, se ven las caras y optan por la antropofagia para sobrevivir.

La película está realizada en clave de humor, un humor cáustico, típico de Tomás Gutiérrez Alea, incluso en las escenas escabrosas y en las morbosas. Eso fue una buena decisión; si no hubiera sido así, algunas secuencias son tan duras que quizás serían insoportables para muchos espectadores. La película está hecha con maestría, pues dosificar ese humor no es cosa fácil. El argumento, muy original, tuvo una puesta en escena impecable: tanto los personajes como el entorno (la casa de la hacienda y sus jardines inmediatos, donde transcurre toda la acción) se van deteriorando de forma gradual hasta llegar a la barbarie.

Supongo que el mensaje —propagandístico— nos dice que la burguesía, o el capitalismo burgués, degenera en barbarie. Bueno, sería menester acotar que bajo condiciones endogámicas, de aislamiento total y sin insumos (en particular víveres), cualquier sistema termina así. El aislamiento total ha sido objeto de aberraciones históricas, con pocos y honrosos casos(1). Somos seres sociales y no nos podemos aislar del entorno con tanta facilidad y sin consecuencias. En particular, la interacción es necesaria para el intercambio de productos para la sobrevivencia (comida). Pero esto no es lo que el director cubano está planteando en su filme, no es una cinta antropológica, su propuesta es política: la burguesía deviene en barbarie. En en el truculento entorno en el que él puso a la familia, sí, pero con esas condiciones cualquier grupo termina en barbarie, los comunistas también porque ellos también comen. Otra lectura podría ser una advertencia al régimen cubano: el aislacionismo traerá barbarie. Cuba se aisló, a excepción de su trato con los países del bloque soviético y China (los comunistas). En cualquier caso, es acertado suponer que el aislacionismo es una carretera hacia el primitivismo. Excelente película de Gutiérrez Alea.

A los que hemos padecido de regímenes comunistas no nos convencen de que es la burguesía la causa primigenia de la barbarie... todo lo contrario. En cuanto a la barbarie a la que se llega, el comunismo sí ha demostrado que llega a ella. En Venezuela ya están cazando palomas y comiendo perros callejeros y gatos para sobrevivir. Supongo que, como es un régimen hecho a imagen y semejanza de su creador: el régimen cubano, en Cuba pase algo parecido, a menos que los CDR lo eviten.

Imagen tomada de Filmaffinity.


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(1) Islandia, Australia y Nueva Zelandia son tres de esos casos, pero hay más, aunque sí han ocurrido sucesos, al menos incestuosos, en otros sitios como las islas Pitcairn, por ejemplo; no sé si en Tristán de Acuña y, en ambas, no hay escasez de víveres, al igual que en Islandia o Australia. Islandia no está aislada, está alejada, pero es muy visitada, al igual que Australia o Nueva Zelandia. Las islas mencionadas (Pitcairn y Tristán) son poco visitadas, por lo que están algo aisladas y son endogámicas, no permiten la inmigración.

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06 marzo 2020

Retrato de Teresa - Pastor Vega (1979)


Imagen tomada de IMDb.

¿Y si hubiera sido yo? 
[la que hubiera tenido un affaire]
Le pregunta Teresa a Ramón.


Retrato de Teresa es el tercer filme de ficción de Pastor Vega. Es una película cubana de bajo presupuesto pero de calidad. Cuenta con una excelente actuación de su viuda, Daisy Granados, quizás lo más destacado de la película.

Teresa es una trabajadora de la industria textil muy involucrada con las actividades culturales del sindicato de trabajadores por su empuje y dinamismo. Está casada con Ramón (Adolfo Llauradó), un técnico de televisores, y tienen tres hijos. Ella atiende a su familia lo mejor que puede cuando llega a casa, si bien ello la coloca en una posición límite y delicada: su esposo, típico machista, le reclama más atención hacia él y hacia el hogar, como si se tratara de una ama de casa. La situación se hace insostenible, ella estalla y tienen una cruda pelea, tras la cual se separan. Él consigue a otra mujer y ella se entera; luego Ramón se da cuenta de que la nueva pareja no es lo que él quiere, él quiere a Teresa. Se reúnen para hablar, él le pide perdón y se justifica con las excusas típicas: el hombre puede tener affaires, es distinto el caso del hombre que el de la mujer, etc., mientras que ella le pregunta qué hubiera pensado él si fuera ella la que hubiera tenido una aventura. Él no es capaz de contestar a esa pregunta de manera satisfactoria y ella se va. Tal parece que el futuro de Teresa es el de muchas mujeres iberoamericanas: crecer solas a sus hijos.

También en la revolución comunista ha ocurrido la alienación de la mujer casada que se quiere emancipar y su esposo es un hombre tradicional, machismo incluido, que le cierra el paso, le corta las alas. Es típico y es triste. En el filme se deja entrever que a ambos les va mejor por separado, al menos en cuanto a su desarrollo profesional y personal se refiere, ambos escalan cada uno por su lado. Quizás no puedan funcionar como pareja. 

La cinta presenta una muy buena escena de la pelea entre ellos dos y, repito, la actuación de Granados es soberbia. Algo que está redundante es lo que dice el animador de televisión cuando la entrevista a ella, es muy evidente, no hacía falta que dijese lo que dice; el público bien entiende lo que Ramón siente: cierta envidia, celo de que ella ascienda socialmente estando separados. Por lo demás, la película está muy bien realizada. A pesar de haber sido rodada en los años setenta, sigue vigente, en particular en lo que a Iberoamérica refiere, en donde no en todos los estratos sociales las mujeres tienen libertad de acción. Triste realidad que un filme desnuda y pone de relieve para su oportuna reflexión ¡ya en 1979!


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Artículo detallado del filme:


25 febrero 2020

Celda 211 - Daniel Monzón (2009)


Imagen tomada de IMDb.

Del cielo al infierno en menos de dos días.


Juan (Alberto Ammann) quiere mostrar buena impresión en su nuevo trabajo como policía. Llega un día antes a la penitenciaría donde ha sido asignado y queda atrapado en un motín que los reos habían organizado ese día. Entre los presidiarios hay cuatro miembros de ETA, rehenes de los rebeldes. Las autoridades exigen que no les hagan daño. Después de sufrir un golpe, sus compañeros lo ingresan en la celda 211 en lugar de enviarlo a la enfermería. Se hace pasar por uno de los presos y convence e impresiona al líder de ellos, Malamadre (Luis Tosar); incluso en un par de ocasiones le roba el liderazgo con iniciativas propias, cosa que Malamadre lo considera una grave injuria, por la que va a pagar. Su esposa, Elena (Marta Etura), que está encinta, ve la noticia en la televisión y va a la cárcel. Afuera hay un nutrido grupo de familiares de los reos amotinados que la policía dispersa. En esa acción, Utrilla (Antonio Resines) la golpea y es enviada al hospital, donde pierde al bebé y muere. Los presidiarios, al enterarse de ello, solicitan a Utrilla y él baja al área donde ellos están y Juan lo mata cuando Utrilla grita que Juan es un oficial de policía delante de todos. Luego, un comando del Grupo Especial de Operaciones (GEO) lanza ingentes cantidades de gases al interior del edificio, en el preciso instante en el que el ministro debería anunciar por televisión que el gobierno aceptaba las reivindicaciones de los reclusos, y se arma la de San Quintín.

El director, Daniel Monzón, ha realizado una impecable película, de gran calidad, entretenida, fácil de ver y con contenido denso, no trivial. Es un caso clásico de gran cine, comercial y con temática relevante, lo mejor de ambos mundos del séptimo arte. No en balde ha ganado tantos premios (cuarenta y cuatro, más veintisiete nominaciones). Las actuaciones son grandiosas, todas; si bien destaca la de Luis Tosar.

El arco dramático de quien podríamos decir que es el protagonista, Juan, lo lleva de una a otra antípoda, de policía a homicida, en menos de dos días. Claro, mata al desalmado que mató a su esposa, eso le otorga cierto atenuante, ya que el espectador celebra que se haga justicia, pues el personaje Utrilla es un villano. La vida le cambió en un tris. Lo más artificial de la trama es la conversión de Juan, de policía a recluso, incluso a liderar por momentos la revuelta. Se ve algo artificial, pero es posible que, en un caso real, esa reacción obedeciese a un mecanismo de supervivencia; de suerte que no es tan artificial.

A veces, la puesta en escena hace que quien vea la película tome partido por los reos, debido a que la dramatización hace crear empatía hacia ellos y antipatía hacia las autoridades. Tal como ocurre con otros filmes, como El Padrino, en el que uno no puede dejar de sentir simpatía por don Vito Corleone, a pesar de que él es el mafioso, el malo. Esa simpatía es artificial (dura mientras dura el filme), nadie sentiría empatía por los homicidas y demás delincuentes que ahí están. Quizás algunos sean «inocentes» o, como dicen los gringos, «no culpables», pero uno no sabe quiénes lo son. Es probable que algunas exigencias sean justas, o quizás no. También es plausible que los reos no merezcan los mismos derechos que las personas que se portan bien, quizás sea una ofensa para el ciudadano que se comporta correctamente el que los presos tengan sus mismos derechos... El filme da para reflexionar sobre esto y más.


Tips del rodaje

En el coloquio, tras la proyección del filme, con Daniel Monzón, Antonio Resines y Emma Lustres, productora, se ventilaron algunos datos significativos relativos al rodaje. El responsable del sonido, Sergio Bürmann, se hallaba entre el público presente. Algunos datos se enumeran a continuación.

Para el rodaje del filme, visitaron numerosas cárceles españolas. Les costó mucho que les permitieran rodar en la de Zamora; la preferían porque era más moderna que otras, tenía «personalidad». La edificación estaba abandonada y sucia, tuvieron que realizar trabajos de remodelación para adecuarla a la filmación de la película. Luego, con el motín y la toma, se destrozó de nuevo. Eso infló el presupuesto aún más. La edificación, de hormigón, generaba un registro frío y seco del sonido, tuvieron que cubrir con telas algunas superficies para que la grabación tuviera la tesitura correcta.

Cuando un vidrio de ventana reflejaba una pértiga de sonido o algo parecido, rompían el vidrio y listo. Algunos cristales estaban preparados para su rotura (quizás fuesen de azúcar, como se estila o se estilaba) y se advirtió a los presos cuáles podían romper y cuáles no; eso no importó, rompieron cualesquiera... porque se hizo con presos reales y Luis Tosar tuvo que, en verdad, forjar un liderazgo real sobre el grupo para que funcionara bien: el director quería el máximo realismo en el filme. Para que Tosar pareciese más bestia le colocaron unas gomas de biberones en las narices, para que diera la impresión de ser el macho cabrío y rudo de la manada de los cautivos. La voz la practicó para acentuar esa impresión de reo feroz, de macho anterior al alfa. Para practicar la voz, el director le entregó un voluminoso libro con las frases que tenía que decir en la pelicula y otras más, y lo recitó varias veces. Era la primera película en la que participaba Alberto Ammann. Emma Lustres afirmó que fue el primer thriller español. Todos los invitados presentes afirmaron que quedaron muy satisfechos con la respuesta de la crítica y del público en su estreno. Incluso ante el público de la localidad de Zamora en donde se rodó (tenían alguna aprensión de la respuesta por parte de policías reales, que trabajaron en el filme, pero a todos gustó y mucho). Excelente película.


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Reseña en Wikipedia, con el argumento detallado: 


21 febrero 2020

El arco de la castidad - Shin Sang-ok (1962)


Imagen tomada de IMDb.

Ningún soldado sirve a dos reyes,
ninguna mujer sirve a dos esposos.
Regla sobre la castidad de las viudas en Corea hace un siglo.


Han (Choi Eun-hee, en algunos sitios hie) es una joven viuda (de un esposo mucho más joven que ella, un niño, que murió de una enfermedad)(1) y, por una regla moral que prevalece en la Corea de 1920, época en la que está ambientada, debe permanecer casta, so pena de deshonrarse ella misma y a su familia. El símbolo de castidad es un gran arco bermellón, con el que se adorna el frente de la casa. La frase que encabeza este escrito, está escrita en chino en sendas bandas en la casa de Han. Vive con un hermano de su esposo (contemporáneo de ella), su suegro y la madre de su suegro, que ha permanecido durante toda su viudez fiel a la memoria de su esposo. Un día, llega a la aldea donde viven Seong-chil, un joven muy trabajador y se emplea en la finca de los suegros de ella. El joven, de mentalidad más moderna que los aldeanos, hace trabajos como recoger agua durante la sequía para el cultivo (supuestamente de arroz) e innova en lo que puede. La defiende de otros hombres que quieren aprovecharse de ella, con lo que gana su aprecio. Pero un día, no logra contenerse. Ella queda embarazada y no acepta la propuesta de él, de irse ambos para formar un hogar en otro sitio. Al conocerse su embarazo, las familias no asimilan la deshonra: él debe irse con el bebé y ella debe permanecer ahí. Asuntos de la honra. Pasan los años, el cuñado también se va, se entrega al juego, pierde la casa en una apuesta y ella, junto a la abuela, debe ir a vivir a una chabola. La vieja vive diciéndole prostituta y renegando de ella y de su deshonra al quedar embarazada, a pesar de que han pasado muchos años, mientras ella la cuida a la anciana con esmero y toneladas de paciencia.

Un buen día, una torrencial lluvia obliga a un joven viajero a resguardarse de la tormenta en la chabola. Él, a quien le ha muerto su padre (Seong-chil), viene buscando a su madre, pregunta por ella, dice que su nombre es Han y que ha venido a conocerla. Ella le dice que ha muerto, que toda la familia murió, pero el chico le ve el dedo mutilado y la reconoce como su madre; ella lo niega. La abuela oyó la negativa de Han y, en un último arrebato de sensatez, le dice que sí, que ella es Han, su madre. La vieja muere y el joven abandona la aldea con su madre. Toda una vida de desgracias por respetar una norma absurda, pues Seong-chil quería a Han y hubiera deseado irse con ella para formar un hogar, pero ella no aceptó por seguir un precepto.

La película también se llama Yeolnyeomun (en inglés The memorial gate for virtuous women o Bound by chastity rules) y es otra producción que Shin Sang-ok realizó con la actriz que fue su esposa, Choi Eun-hee(2). Este filme tiene una soberbia fotografía en blanco y negro y presenta grandes elipsis de tiempo. El lenguaje es sencillo y directo, el cineasta no se arriesgó a que una inadvertida audiencia se confundiera, bien con los tiempos (las elipsis), o con la trama de la historia o con el mensaje, que resulta ser la modernización de algunas arcaicas normas sociales, inadecuadas para las nuevas generaciones, como es la de la castidad de por vida de la mujer al quedar viuda. Algo que hoy suena ridículo, pero que era la norma en la aldeana Corea de hace un siglo. Me imagino que no solo en Corea las cosas eran así. El film abunda en escenas con la cámara girada (unos 30º), era la moda en esa época (en los años sesenta).

Tal parece que esta película, al igual que otras de Sang-ok, es de corte moralizante, dentro de lo que pudiéramos llamar subgénero del costumbrismo y pretendiese coadyuvar a la modernización de los códigos morales de Corea. Al final, huelga decirlo, expía a la protagonista; en un intento por enterrar semejante norma de castidad. Casi es pedagógico en su lenguaje y en su diégesis. Está muy bien realizado, presenta una buena historia y cuenta con buenas actuaciones. La fotografía en blanco y negro del medio rural asiático que recrea (años 1920), repito, es una delicia.


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(1) Han se cortó un dedo, cuando el niño (su esposo) estaba enfermo, para darle de beber su sangre, con la esperanza de que sanara.
(2) Véase la entrada de Las flores del mal, en la que se comenta eso y su periplo por Corea del Norte.
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Reseña en Wikipedia (inglés): 


17 febrero 2020

El diario de Ana Frank - George Stevens (1959)


Imagen del póster de la
película de Stevens en IMDb.

¿Cómo, por qué pasa eso?


George Stevens, luego de dirigir la aclamada producción Gigante, dirigió esta adaptación del Diario de Ana Frank a la pantalla grande. Está de más mencionar que el libro que le sirve de base es uno de los más leídos e importantes de la historia, en particular uno de los más relevantes del siglo XX y, específicamente, de la literatura relacionada con la II Guerra Mundial. Este año se conmemoran los 75 años de la caída del III Reich. En estos días, también se cumplen 75 años del asesinato de Ana Frank y de otras seis personas con las que estuvo confinada por más de dos años para evitar el asedio de los nazis. El único sobreviviente fue su padre, Otto Frank. Este ha sido un libro muy versionado y llevado al teatro, al cine y a la televisión, por razones obvias.

Esta versión, de tres horas de duración, nos cuenta la vida en cautiverio de Ana, su familia (su padre Otto, su madre Edith y su hermana Margot), la familia van Pels [con el nombre van Daan: Hermann van Daan, el padre, Petronella (en lugar de Auguste) van Daan, la madre, y Peter van Daan, el hijo de ambos, contemporáneo de Ana y de Margot] y del dentista Fritz Pfeffer (con nombre Albert Dussel). Comienza con el retorno de Otto a Amsterdam y allí la leal y valiente Miep Gies le entrega el diario de Ana y él lo lee; de suerte que casi todo el filme es un flashback. Finaliza cuando los nazis llegan por ellos. Miep Gies en esta cinta no tiene un papel muy relevante, pero fue gracias a ella que pudieron subsistir enclaustrados y también gracias a ella llegó el diario de Ana a las manos de Otto para su posterior publicación. Ella nunca leyó el diario mientras estuvieron en los campos de exterminio los ocupantes de la «habitación de atrás».

La película detalla la vida diaria del grupo de ocho personas que convivían casi todo el día en absoluto silencio en el pequeño espacio del anexo. Hace hincapié en el silencio que debían guardar y en lo peligroso que era hacer ruido en las horas que la casa estaba ocupada abajo, con los trabajadores, así como si ocurría cualquier irrupción, como en efecto ocurrió para robar las oficinas. Al mismo tiempo nos relata cómo eran las relaciones entre las personas, que variaban entre la amabilidad y la hostilidad, como bien es natural en cualquier conjunto de personas, más si no son familiares y apenas conocidos algunos de ellos. Los roces ocurrían desde nimiedades como el tiempo de uso del baño o de una mesa al robo de comida, por parte del glotón Hermann van Pels. Pero hubo espacio y ocasión para el romance entre Ana y el joven Peter y para acceder a reflexiones puntuales pero importantes sobre la naturaleza humana, amén de consideraciones sobre su situación en particular. Entre la esperanza que les llegaba vía ondas hertzianas de la BBC y el pesimismo que les transmitían las emisoras alemanas y las noticias del exterior que traía Miep, transcurrió su encierro de algo más de dos años y que ya sabemos cómo terminó. La mala suerte les acompañó al final sin soltarlos, pues apenas murieron un poco antes de la rendición de Alemania.

La película está muy bien lograda y las actuaciones son todas excelentes, destacando la de Millie Perkins, que le imprime una adecuada vivacidad al personaje de Ana, y la de la veterana Shelley Winters en el papel de la señora Petronella van Daan.


Imagen del póster de la miniserie 
La historia de Ana Frank en IMDb.


Cuarenta y dos años después, Robert Dornhelm dirigió una muy buena miniserie de dos capítulos, también de tres horas de duración, sobre el mismo tema; si bien en esta ocasión se incluyen secuencias de la vida de los Frank antes de ocultarse en el anexo y una especulación de cómo fue su vida en los campos de exterminio, en particular las vidas de Ana y de su hermana Margot. En esta miniserie, en lugar de acentuar las limitaciones acústicas de la vida diaria de los confinados, se reivindica el papel de Miep en la historia y, de igual manera, se trata lo relativo a las fricciones en las relaciones entre los cautivos y la relación sentimental de Ana con Peter. Esta versión cuenta con el laureado Ben Kingsley en el importante papel de Otto Frank y con una joven actriz, Hannah Taylor Gordon, que también realza la personalidad, un tanto irreverente, de Ana Frank. En esta miniserie se utilizaron los nombres reales de los cautivos. Está muy bien realizada.

No son las únicas que cuentan la historia de Ana Frank. Hay numerosas versiones, tanto de largometrajes como de miniseries para televisión y de documentales. Recientemente, History Channel ofreció un documental en el que personas aún vivas, que conocieron a Ana Frank, dieron su testimonio de aquellos aciagos y abyectos días, recordando a Ana con mucho cariño. Casi cualquiera de las películas o miniseries sobre Ana Frank nos ofrecen una visión global y detallada lo suficiente como para ponernos a pensar y preguntarnos: ¿cómo es posible que haya pasado eso?

Todas las respuestas que han ofrecido grandes pensadores y analistas no dejan de sorprendernos, porque son un cul-de-sac que no parece llegar a ninguna parte, no hay argumentos cuya hilación nos permita persuadirnos de que no fue una barbarie sin sentido, en extremo irracional(1), y de que es inexplicable que no se haya detenido a tiempo. Lo peor del caso, es que luego de eso han ocurrido hechos parecidos, a menor escala, y tampoco los han detenido(2). De manera que la pregunta sigue latente: ¿cómo, por qué pasa eso?, ¿por qué no es detenido a tiempo?


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(1) Si bien instrumentada de manera muy racional y «científica».
(2) Ver:
https://es.wikipedia.org/wiki/Genocidios_en_la_historia#Después_de_la_Segunda_Guerra_Mundial_y_Europa_Central

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Artículo en Wikipedia, película de Stevens:
Ficha en IMDb, película de Stevens:
https://www.imdb.com/title/tt0052738
Ficha en Filmaffinity, película de Stevens:
https://www.filmaffinity.com/es/film674175.html
Reseña en el sitio web de Casamérica, película de Stevens:

Ficha en IMDb, miniserie de televisión:
https://www.imdb.com/title/tt0246430
Ficha en Filmaffinity, miniserie de televisión:
https://www.filmaffinity.com/es/film932523.html


14 febrero 2020

Una novia para David - Orlando Rojas (1985)


Imagen tomada de IMDb.

La libertad de elección, 
el libre albedrío en acción.


La ópera prima del director cubano Orlando Rojas también fue la ópera prima de sus protagonistas, María Isabel Díaz Lago y Jorge Luis Álvarez y de varios de los actores que interpretaron los personajes secundarios. Muchos de ellos siguieron la carrera cinematográfica. La copia proyectada en Casa de las Américas el 21-11-2019 no estaba en el mejor estado posible, pero aún así ofreció un correcto visionado y apreciación de la película. Quizás lo peor era el sonido. Y digo quizás, porque con la edad uno oye cada vez peor y ya no sabe si es uno o es un problema técnico. En la exhibición del filme había muchos ciudadanos cubanos y cerró la función un ameno coloquio con el director, el guionista, Senel Paz, y los dos protagonistas.

Ambientada en finales de los años sesenta, David, un taciturno chico provinciano, se radica en La Habana para preparar su ingreso a la universidad. En la residencia-escuela donde se radica, vive con un grupo de compañeros que lo incitan a conquistar a una jeva(1), como es el deber ser a su edad. Está en camino de conquistar a la bella Olga, la más codiciada presea(2) femenina del curso, lo que ocasiona la envidia de algunos compañeros. En paralelo, «la gorda» del salón, Ofelia (María Isabel Díaz), la responsable de la instancia política de la clase, lo aborda con el supuesto interés de formar un grupo de estudiantes para ingresar en la escuela de pedagogía (educación), aunque en el fondo desea al joven y logra su amistad. Ofelia, lectora y admiradora de Hemingway, tiene más que ofrecer como persona que Olga, y no me refiero a los kilos de más de su «botérica» humanidad; es más profunda, menos frívola, más dulce. Al final, David se verá forzado a seleccionar a una de las dos.


Imagen tomada de EcuRed.


La cinta muestra diversos aspectos dignos de mención. El primero, el vertebral, que tiene que ver con el libre albedrío, la capacidad de selección del ser humano, que se puede imponer por sobre los prejuicios. El segundo es, precisamente, los prejuicios: los compañeros le hacen acoso escolar a la chica desde siempre y a David desde que los ven juntos, si bien como amigos. El tercero es la turbación que el prejuicio causa en la mente del joven: no es posible que alguien como él, bien parecido y demás, sea novio de una gorda, aunque de cara agraciada. ¿Qué tiene más prelación, la apariencia exterior o el contenido interior? Otro aspecto que se ve es la falta de referentes, al comienzo de la revolución cubana, en lo que concierne a las relaciones de pareja: la prostitución está prohibida y los jóvenes están carentes de los modelos de referencia para enfrentar la situación de noviazgo sin contradecir a la revolución. O sea, a Fidel como que se le hubiera olvidado decirle (ordenarle) a su pueblo cómo deben realizar el cortejo en el contexto de la revolución marxista. Algo así. La historia está salpicada de escenas que, sin ser propiamente de humor, son hilarantes, provocan la risa o la sonrisa del espectador, muy en especial si se hace caso omiso de algunas frases que hoy suenan machistas, pero que en 1985 no eran consideradas tan escandalosas como puedan sonar hoy.

En el coloquio, el director afirmó que se sorprendió en el estreno cuando la gente reía. Nunca pretendieron realizar un filme de comedia (comedia romántica sería el subgénero en el que hoy se enclavaría). Fue algo que no esperaron y, por supuesto, no lo hicieron de forma deliberada. Otra curiosidad que emergió fue que la escena en la que Ofelia entorpece una boda fue inspiración de María Isabel Díaz; se la contó al director y al guionista y ellos la incorporaron al filme; sin embargo, cuando la rodaron, a ella le costó muchísimo interpretar esa escena, pese a que fue la que la ideó. Por su parte, Senel Paz comentó que los personajes son los que le dictan a él los diálogos, no que él se los asigna a los personajes; también que cuando hace un guion no le pone cuidado a si es una tragedia o una comedia, no se ciñe a dogmas sobre los géneros, permite que la historia fluya y, sobre todo, los personajes hagan la historia.

Tanto los actores como el director y el guionista rememoraron aquellos tiempos con ternura y agradecimiento. Este filme retrotrae al espectador a los años mozos, en los que —vistos desde la distancia que ofrecen los años— la inocencia y la ignorancia conformaban un delicioso coctel que condimentaba la vida. Cautivadora y enternecedora película.


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(1) Jevo(a): Muchacho(a), joven, novio(a), amigo(a).
(2) Presea: En Cuba, y otros países caribeños, medalla que se otorga al ganador de una competición.

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Proyecto El chico

En 2007 realizamos un proyecto en ambiente Web 2.0: traducir la película -en dominio público- El Chico, de Charlie Chaplin (1921), a diversas lenguas. Inicialmente en Google Video se tradujo a 26 lenguas, 4 de ellas por humanos: 3 por colaboradores de Portugal, Francia e Italia, y el autor de este blog. Las demás lenguas se tradujeron vía traductores online, la mayoría a través de Translate Google. Ahora la película está en YouTube, con intertítulos en 12 lenguas. Más información sobre este proyecto en este enlace. Ver la película en YouTube.

Las 10 + proyectadas

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