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El cine es ensueño, es música. No hay forma de arte que vaya más allá de la conciencia ordinaria como lo hace el cine, directamente a nuestras emociones, al penumbroso recinto del alma.

Ingmar Bergman.

Bienvenid@

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Este blog no es de crítica especializada ni académica; solamente de comentarios «al dente» de un espectador común.

Advertencia

Algunos comentarios hacen referencia a momentos claves del argumento o al desenlace de este (spoilers).

19 julio 2019

Pintalabios bajo mi burka - Alankrita Shrivastava (2016)




Irreverencia bajo la férrea ley islámica.


La India es el país que produce más filmes anuales actualmente. Bollywood, como se le llama a su industria fílmica, hace más películas al año que Estados Unidos y Europa juntos. Ese es el tamaño gigantesco de la filmografía india. En 2018 hicieron casi cinco películas... ¡por día!(1). Con semejante cantidad asociada a esta industria, difícilmente podría uno esperar que fuesen de gran calidad. No todas van a ser como Pather Panchali o como ¿Quién quiere ser millonario? Evidentemente, tampoco puede uno esperar que todas sean malas porque son muchas. Así, salen productos de diversa calidad, tal como lo vaticinaría cualquier distribución estadística. Esta es de las buenas películas salidas del subcontinente superpoblado, de las mejores. Premiada y nominada en numerosos eventos cinematográficos. Para hacerla más meritoria, la dirige una mujer (Alankrita Shrivastava, a quien podemos considerar una de las más relevantes cineastas indias) y mujeres son sus personajes principales. Vamos, en el cuadro de honor.

Lipstick under my burkha o Pintalabios bajo mi burka (en traducción libre del autor) es una obra coral en la que se narran diversos relatos con marcadas situaciones de opresión(2) a las que están sometidas las protagonistas y -lo que es más importante- las maneras distintas y creativas que idean para evadir las ridículas prohibiciones que graban sobre ellas. Todo ello con un lenguaje respetuoso (políticamente correcto) con relación al statu quo y también con las víctimas que se rebelan, aderezado con toques de humor, en ocasiones elegante. Una buena sinopsis en español aquí (y en inglés aquí). La película está muy bien realizada, es inteligente en la diégesis y en la narrativa, es muy entretenida y contiene el espectro que va de la comedia al drama, quizás con algunas escenas algo cursis (para el gusto de uno al menos), pero digeribles.

Como ya se dijo en (2), es desde nuestro punto de vista occidental que a la mujer se la reprime en el mundo islámico, pero este no es el mismo juicio de valor que puede tener un practicante islámico, menos aún si es del ala talibán. Uno respeta esa opinión, si bien no la comparte e incluso la combate en la mísera medida que uno puede. Viendo el mundo tal como parece ir, el fenómeno de la globalización y las seductoras y racionales ideas de justicia de occidente, que percolan hacia oriente, y que empoderan a las mujeres por considerarlas iguales y en ningún caso inferiores a los hombres, esta película es solo una pequeña muestra de la parte que emerge de ese iceberg que representa el descontento de las mujeres bajo un yugo opresor injusto y troglodita. En este sentido, este filme aporta en dirección de la emancipación y del fin de la atadura de las mujeres orientales... al menos de aquellas que están de acuerdo con la liberación que ha abanderado occidente. 

Como quiera que sea, eso es algo que deben dilucidar las sociedades islámicas. Ya conocen nuestra opinión general, pero son ellos los que deben decidir el futuro de las relaciones hombre-mujer y mujer-sociedad en su marco moral, legal, cultural y religioso; último marco este que para ellos es muy importante. Ojalá todo vaya a ser tan jovial como en esta excelente película.

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(1) Véase: https://en.wikipedia.org/wiki/Film_industry#Largest_industries_by_number_of_film_productions
(2) Este y otros vocablos abiertamente críticos hacia lo que es una opresión injusta hacia las mujeres es, obviamente, desde nuestro punto de vista occidental, que no es compartido por buena parte de los hombres islámicos.
Reseña en Wikipedia (inglés): https://en.wikipedia.org/wiki/Lipstick_Under_My_Burkha
Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt4807830
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film744738.html


16 julio 2019

Apolo 11 - Todd Douglas Miller (2019)




Un pequeño paso para un hombre, un gran paso para la Humanidad.
Magnífica desolación.


1969. Aquél 20 de julio era domingo. Salimos temprano de casa, rumbo a la primera finca que tuvo mi padre, q.e.p.d., en Chispa. Allí celebraríamos -con la modestia propia del medio rural- el cumpleaños de mi hermana mayor. Era época de lluvias: el cultivo que tenía la finca al momento era arroz. 110 ha. de arroz. Mi padre también era entusiasta de la carrera espacial. Para no perdernos detalle del alunizaje, mi padre cargó con su radio Transoceanic, no recuerdo si Panasonic o Zenith. Tenía muchas bandas, innumerables. Para mí, que tenía solo 12 años, era algo ignoto el cómo pillar una estación de radio en tan compleja cónsola. Este tipo de noticias la oía siempre en la estación de la Voz de los Estados Unidos de América (VOA). Era una gran fiesta; yo diría que a nivel global. Durante ese año, la Omega había ofrecido un mapa de la Luna a quien lo pidiese por correo; la Shell (¿o la Creole?) habían lanzado un álbum con barajitas sobre la carrera espacial, cada vez que llenabas el tanque de gasolina, te daban barajitas para irlo completando; y la Voz de los Estados Unidos de América, ese mismo día del alunizaje (si la memoria no me falla) ofreció enviar una fotografía de los tres astronautas, a todo color a quien la pidiese. Estaba orgullosísimo de haber conseguido esos tres souvenirs.




2019. El día 1 de julio de este año se preestrenó en la Cineteca, en las salas Azcona y Plató simultáneamente, este documental que contiene imágenes del Apolo 11 que hasta ahora estaban archivadas y no habían sido vistas por el público. Centenares de horas de video y más de 10.000 horas de audio fueron procesadas para conformar un excelente trabajo documental cuyas únicas narraciones son las originales de la radio y la TV de la época, básicamente de Walter Cronkite (el que anunció el asesinato de Kennedy, seis años antes) y Johnny Carson. El documental transcurre en tiempo secuencial, desde los preparativos hasta el amarizaje de regreso a la Tierra. Contiene, como ya dije, escenas inéditas, así como audios igualmente inéditos. A pesar de que lo expliquen mil veces, cuesta mucho entender por qué ese material estuvo archivado y nadie lo utilizó. Luego del visionado del excelente film, hubo un coloquio con el director, Todd Douglas Miller, quien contestó a cuanta pregunta le hicieron, con mucha simpatía. Solo noté dos grandes ausentes en el film: 1. Wernher von Braun, el ingeniero alemán capturado a los nazis sobre cuyos hombros estaba el diseño del poderoso cohete Saturno V, que llevaría a Neil ArmstrongEdwin Aldrin y Michael Collins a la Luna. Centenares de miles de personas trabajaron para llevar este proyecto a cabo. No podrían figurar todas, pero von Braun era, de lejos, el más relevante del equipo que estaba tras bambalinas. 2. John Houbolt, ingeniero clave para la desagregación del cohete y las naves en partes o módulos acoplables en el espacio. Me parece una injusticia que ni siquiera se les haya visto en alguna escena.


Von Braun mostrando esbozos para la exploración espacial.


Walt Disney con von Braun. Disney, fascinado 
con las ideas de von Braun sobre la exploración 
espacial, fue el que lo dió a conocer al público.
Foto tomada de Wikipedia.


De regreso en 1969. Ya en casa, en la noche, pudimos ver en las noticias las imágenes que habían transmitido ese día. Probablemente haya sido en El Observador Creole. Quedamos atónitos con las imágenes que habían sido enviadas a poco más de un segundo-luz de la Tierra. En los días posteriores, la exaltación era general, todo el mundo hablaba de eso. Es un recuerdo imborrable. Dicen que todos nos recordamos de dónde estábamos cuando ocurrieron los atentados del 11 de septiembre en el World Trade Center. Y es cierto. Pero también uno recuerda dónde estaba cuando mataron a Kennedy y cuando alunizó el Apolo 11. Quizás haya otros eventos históricos que uno pueda recordar dónde estaba cuando ocurrieron, pero estos son los más impactantes que recordamos muchos. Y sin que se llamara entonces "teoría de la conspiración", había muchos escépticos que no creían que se había logrado la más grandiosa hazaña del Hombre. Simplemente no creían que eso era posible.

¿Cuál es el objetivo de estos viajes espaciales?

Al comienzo éramos nómadas, luego nos hicimos sedentarios para optimizar el proceso agrícola y pecuario, pero en nuestra naturaleza aún hay un residuo -nada despreciable- de la esencia nómada de los orígenes. Gustamos de la aventura, del averiguar qué hay más allá, de ir a verlo y constatar. Nos gustaría pensar que la exploración espacial hubiese nacido con el mismo espíritu aventurero que mueve al explorador nato. Pero ni siquiera la exploración de los mares que emprendieron los grandes navegantes de hace cinco siglos fue por amor a la exploración. Siempre hubo motivaciones de otra índole: económicas, políticas, militares.

Al comienzo, la exploración espacial parece haber comenzado como una manifestación más de la Guerra Fría entre la URSS y USA. El poder bélico que supone el dominio de los aires hace que la investigación y desarrollo de proyectos aéreos y espaciales sea una absoluta prioridad. Todos los sistemas militares actuales que tienen relación con el aire y el espacio son hijos de la I+D que se inició en la posguerra. Al público en general se nos vendió una idea más romántica y -sin duda- más elevada de la exploración espacial: la aventura y la exploración por el solo deseo de conocer. Ese objetivo, empero, también se logra dando cumplimiento al primer objetivo: el militar. De manera que ambos han ido de la mano. Hoy la investigación espacial es autónoma (eso creo) de la milicia y ha levantado vuelo propio. El objetivo de explorar el espacio por conocer y, de paso desarrollar tecnologías nuevas, es una realidad para beneplácito de los románticos y los científicos. No hace falta más que ver los grandes logros recientes. Las sondas Pioneer, Voyager, Cassini o New Horizons, el telescopio Hubble o la Estación Espacial Internacional son solo algunos emblemáticos ejemplos del altísimo nivel que ha logrado la exploración espacial. ¿Hay negocios, quizás soterrados, en relación a la exploración espacial? Quizás. Se necesitan muchas actividades outsourcing: fabricantes de equipos, investigadores, asesores y muchos estudios especializados. Mueve millardos de dólares esa industria.

¿Y qué será de los nuevos recién llegados del mundo privado?

Tanto Space X, como Virgin Galactic o Blue Origin -entre muchas otras- supongo que son negocios para hacer más dinero del que ya tienen ¿Aspiran a un googol de dólares? Quizás. Ofrecerán viajes espaciales a sus pares billonarios. Aportarán algún conocimiento al acerbo cultural humano, quizás relacionado con detalles de fabricación de equipos, que no compartirán porque los patentarán. Tampoco van a compartir planetas enteros o asteroides. Lo que sí aportarán será basura espacial, y en cantidades ingentes con los miles de satélites que lanzarán al espacio y que pulularán sobre nuestras testas. No hay problema, será vendido como un proyecto altruista para que todos nosotros nos beneficiemos de algún servicio que proporcionarán ese enjambre de satélites, mientras lo paguemos. Siempre es así. Posteriormente lanzarán alguna empresa que recolecte esa basura; pagada por los contribuyentes, claro. Una excepción, honrosa (eso supongo), la constituye la iniciativa Breakthrough; parece que de verdad quieren -a través de sus diversos proyectos- dar con los alienígenas. Quizás haya algún negocio escondido tras contactar con los alienígenas que nosotros, las personas de a pie, no visualizamos a día de hoy. En cuanto al retorno a la Luna, este podría estar relacionado con la explotación minera para obtener helio-3, clave para la fusión nuclear, panacea de la energía limpia e ilimitada. Pero eso es otra historia. De cualquier forma, provisionalmente sea bienvenida la "exploración espacial" privada.

A la NASA, la ESA, el SETI y muchos otros organismos que trabajan, algunos mancomunadamente, para engrandecer el conocimiento del cosmos, no podemos menos que aplaudir su labor y apoyar en lo que podamos su misión. Ellos son los herederos directos de Thales de Mileto, Demócrito,... Galileo, Newton, Einstein...


Galaxia NGC 1566 o Bailarín español.
Créditos de la imágen: NASA, ESA, Hubble; Processing & Copyright: Leo Shatz.


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12 julio 2019

Alas de esperanza - Werner Herzog (1999)




La voluntad de poder en plena acción


Werner Herzog es un prolífico documentalista. En este filme, de apenas una hora de duración, nos cuenta la odisea de Juliane Kopcke, única sobreviviente de un accidente aéreo ocurrido en la amazonia peruana en 1971. En este documental, Herzog cuenta con la compañía de J. Kopcke, que narra su experiencia e identifica los hitos de su viaje a través de la selva. Para la ejecución del documental, no solo se desplazaron hasta el sitio de los hechos, sino que incluso desvelaron piezas del avión siniestrado y visitaron a uno de los lugareños que le salvó la vida a Juliane; quien, por cierto, se contentó mucho con la inesperada visita de ella. Herzog, que también aparece en el documental, cuenta que él iba a abordar ese mismo avión y a última hora no pudo. También comentó que Juliane luchaba por sobrevivir cerca de donde él y su equipo estaban en la etapa de preproducción de Aguirre: la ira de Dios. Juliane se había criado en la selva, de manera que conocía alguna información que le fue valiosa para salvar su vida. Mucha de esa información la cuenta Juliane en este filme. Juliane, como defensa ante el trauma que eso significó, habla de su experiencia con cierta distancia, como si se tratase de un conocimiento de texto, no de una experiencia personal.

Esta aventura fue dramatizada para el cine en una película de título Milagro en el infierno verde. Esta producción no reflejaba la realidad de la experiencia de Juliane ni el entorno o los peligros. Muy lejos de ser realista era más bien sensacionalista y falsa, tal como Juliane ha comentado en entrevistas y en este documental de Herzog.


La Juliane Kopcke venezolana

Viendo esta excelente película, no deja uno de recordar el caso de la doctora Raiza Ruiz, quien diez años después, en 1981, fue la única sobreviviente del fatídico vuelo de una avioneta que cayó en la selva amazónica con cuatro personas a bordo. Ella iba a realizar su trabajo como médico rural en un apartado pueblo cerca de la frontera entre Colombia y Venezuela (Maroa). Era, en ese entonces, estudiante de medicina en la UCV. La dificultad para acceder al sitio del accidente desmotivó a las autoridades "competentes", quienes prefirieron certificar la muerte de los tres pasajeros y del piloto antes de seguir buscando en la intrincada selva. Fueron, por consiguiente, firmadas actas de defunción y enviadas unas urnas con supuestas osamentas de las víctimas. Siete días después del accidente, la valiente Raiza apareció cerca de un pueblo, maltrecha pero viva. El escándalo fue mayúsculo, ¿cómo era posible que se habían firmado actas de defunción de los cuatro ocupantes y había un sobreviviente?, ¿qué había, entonces, en los ataúdes?

Creo que fue en la década de los 90's cuando tuve la oportunidad de conocerla. Trabajaba como investigadora y profesora de posgrado en el Instituto de Medicina Tropical de la UCV. Obviamente ya se había recuperado de tan traumática vivencia. Me di cuenta de que era una mujer con buen humor, así que no pude resistirme a preguntarle ¿doctora, usted está viva o está muerta? Lo que era una pregunta jocosa (yo creía superados los ridículos jurídicos del caso) resultaba tener una respuesta dramática: para algunas cosas, sobre todo de carácter legal, estaba muerta, para otras estaba viva. De manera que Raiza Ruiz no solo es otra exponente viva y genuina de la voluntad de poder, sino también de las aberraciones jurídicas.

Es lastimoso que ningún cineasta venezolano -hasta donde yo sé- haya tomado este caso para realizar una película que le haga justicia a este personaje que, al igual que Juliane Kopcke, es mujer, es investigadora científica y ha sido sobreviviente única de un accidente aéreo en la selva amazónica.


Entrevista a la doctora Raiza Ruiz (1a. parte).

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Ficha de María Koepcke, madre de Juliane, científica que falleció en el vuelo: 

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Enlaces relativos a la doctora Raiza Ruiz:

Raiza Ruiz, el Milagro de una sobreviviente en el Amazonas; donde se cuenta la odisea de esta mujer excepcional: http://elchamancito.com.ve/raiza-ruiz-el-milagro-del-amazonas/
Raiza Ruiz, caída del cielo; entrevista a la dra. Raiza Ruiz: http://www.rescate.com/raiza.html


05 julio 2019

Retablo - Álvaro Delgado-Aparicio (2018)



Cuando la intolerancia es limitada por el amor.


Advertencia: El comentario contiene spoilers.

Segundo Paucar, un joven de 14 años, vive con sus padres en una apartada región de los Andes peruanos. Aprende el oficio de tallar de su padre, Noé, a quien le ayuda a llevar las obras al pueblo cercano para su venta. Un día ve accidentalmente una escena que le hace añicos la visión que tenía de su padre (escena que es producto de la supina imprudencia del padre). A partir de entonces, se distancia sobremanera de él y ya no le ayuda en el taller. Su nueva conducta también le lleva a tener desavenencias con su madre, Anatolia. Segundo está a punto de irse con un amigo a trabajar en los algodonales de otra región, cuando su padre es salvajemente golpeado por vecinos que descubren su condición de bisexual y que no solo no toleran ese comportamiento, sino que casi lo matan por ello. Cuando Anatolia se entera del motivo de lo ocurrido, le da la espalda a Noé y se va a casa de su madre. Segundo no es capaz de dejar a su padre malherido y solo, a pesar de los ruegos de su madre para que le acompañe. Noé tomará una infortunada decisión y Segundo abandonará la casa, no sin llevarse los utensilios para tallar los retablos ayacuchanos.

Con largas tomas, escasos diálogos -en quechua y en español- y cadencia lenta, esta película muestra la hipnótica y bucólica atmósfera de la zona andina y de sus pobladores con gran maestría; no sin nutrirse de una muy buena fotografía, así como de música convenientemente dosificada. Valiéndose de estas características, así como de las buenas actuaciones de los tres actores principales, la película de Delgado-Aparicio transmite a la perfección los sentimientos que invaden a los personajes, atrapados en un nicho social en donde el machismo decimonónico, la intolerancia al diferente, las viejas costumbres y prejuicios modelan, tallan como Noé las figuras de los retablos, el comportamiento y la respuesta desproporcionada a una conducta que se considera impropia. Y las respuestas de los personajes, vistas a posteriori, son las que se espera que sean en una comunidad tal: intolerancia -aunque letal- por parte de los otros hombres; rechazo absoluto de su pareja y defensa solidaria y cuidado por parte del hijo, quien es, para sorpresa del espectador, el que muestra una respuesta más madura ante el conflicto, a pesar de ser el más joven. Segundo se había distanciado, incluso había reñido con su padre, pero de eso a dejarlo herido y solo como un perro callejero hay un gran trecho. Trecho que el chico no está dispuesto a transitar. 

La reacción de Anatolia es comprensible en ese medio rural. Incluso si fuese en un medio más sofisticado y culto sería similar. Llama la atención la respuesta de Segundo, que se crece y revierte el resentimiento en cariño y cuidado para su padre. La decisión final de Noé sorprende un poco, pues si bien era posible, no parecía probable. ¿Es por redención, por castigo autoinfligido, por vergüenza o por librar al hijo del estigma social que padecerá por su culpa? Puede que sea por todo esto.

La película nos deja un sabor amargo y una reflexión: ¡qué difícil lo han tenido -y aún lo tienen- los que son diferentes! A más acusada diferencia, mayor dificultad. Muchos han pagado con el más alto precio esta condición. Excelente película.




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Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt7761590
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film552763.html
Reseña en Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Retablo_(película)


28 junio 2019

Las Hurdes, tierra sin pan - Luis Buñuel (1933)



Detalle curioso: en los pueblos de Las Hurdes, nunca hemos escuchado una canción...
Las escenas que presenciamos son de una miseria desoladora...
Dice el narrador, Francisco Rabal.

El filme animado Buñuel en el laberinto de las tortugas (Salvador Simó, 2018) narra la historia de cómo Buñuel encaró la realización de Las Hurdes, tierra sin pan, su único documental o, como lo llama al inicio, "ensayo cinematográfico de geografía humana". Uno de los hechos más relevantes relacionados con la realización de esta película es la honorabilidad de su amigo, Ramón Acín, que le ofreció financiarla si ganaba la lotería... y la ganó... y, en efecto, le financió esta película. Podemos considerarla, dentro de la filmografía buñueliana, una obra menor, pero sin ella probablemente no hubiéramos tenido el Buñuel postrero y sus grandes obras maestras. Ya con este solo hecho sería lo suficientemente importante, pero hay más. Con Buñuel siempre hay más.

Lo más que hay tiene que ver con el documental mismo. Es un documental que denuncia sin cortapisas la mísera condición en la que vivían los habitantes de Las Hurdes. No tuvo que provocar demasiadas situaciones (manipuló algunas, como todo documental) para dramatizar la ya trágica realidad de los pobladores. No hace concesiones Buñuel, no salen frases complacientes ni optimistas de la boca de Rabal, ni hay imágenes adornadas; todo lo contrario, muchas son grotescamente surrealistas como la del niño muerto y el transporte de su cadáver, o las de los cretinos. Algunas recuerdan escenas de El perro andaluz, como la del burro devorado por abejas (escena provocada por Buñuel, al igual que la de la cabra que cae muerta). La película estuvo prohibida en España: eso es sintomático de que habrá causado algún prurito en las autoridades del gobierno, pese a que el mismísimo rey Alfonso XIII había visitado la pobrísima zona solo unos años antes (¿no vio nada este señor que le llamara la atención?). Es decir, que hasta con un "simple" documental de media hora Buñuel era capaz de generar polémica y escándalo. Todo un genio.

Las únicas palabras aleccionadoras -pero desafortunadas- son al final del filme, cuando se ofrece que habrá cambios profundos gracias al movimiento político que se estaba gestando. Dice el intertítulo que el Frente Popular, de ideología comunista -o socialista- iba a arreglar las cosas. Jamás sabremos si eso hubiese llegado a ocurrir porque dicha facción no llegó a gobernar. Lo que sí sabemos es que esa ideología ha traído muerte y miseria donde ha conseguido el poder, tal como en la URSS, en Cuba o en Venezuela. El bando ganador impuso una tiranía de más de tres décadas, si bien con un lento progreso económico enmarcado por la conculcación de libertades y por la ejecución de disidentes. Tal parece que España estaba condenada a priori: ninguna opción era buena, solo tenía dos malas opciones(1). El avance del ser humano ha sido muy grande, muy dinámico, desde el punto de vista científico, pero desde otros puntos de vista no parece que estemos mucho mejor que en la Edad Media o en la antigüedad. Esa estática parcial de nuestra historia es la que le da vigencia a tantas obras como esta.


El viaje de S. M. el rey D. Alfonso XIII a la zona, en 1922.


El rey Juan Carlos I y la reina Sofía, 76 años después.

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(1) Hace años, en un programa de radio, le oí decir a una mujer que se había mudado a Israel con su esposo e hijos, y que vivía cerca de la franja de Gaza, que no había un bando bueno y otro malo, que ambos bandos eran malos.


21 junio 2019

La adopción - Daniela Fejerman (2015)



Cuando te cambian las reglas después que el juego ha comenzado.


Una pareja española (Natalia y Daniel) va a un país de Europa del este para adoptar un niño, pero las circunstancias no son las que habían pensado, carecen de información que -supuestamente- les había sido enviada por correo y la corrupción y trabas burocráticas enlodan progresivamente su existencia. Lo que debería haber sido una experiencia gratificante deviene en un via crucis.

Es un filme correctamente realizado y tiene buenos momentos. Uno de sus mayores logros es haber mostrado el deterioro progresivo de la relación de pareja a medida que ven su objetivo más difícil de lograr; esto es trabajo actoral muy bien llevado a cabo por Nora Navas y Francesc Garrido, de la mano de Daniela Fejerman. También muestra correctamente el contexto social de un país que es víctima de una burocracia y corrupción que recuerda a los países del bloque socialista tras la cortina de hierro en la guerra fría. La lengua que hablan sus habitantes (lituano) contribuye a reforzar esta percepción. Cuarenta o cincuenta años han pasado y todo parece seguir igual.

Un aspecto que llama la atención es que los niños ofrecidos a la pareja tienen -invariablemente- enfermedades congénitas, en algunos casos muy graves y que limitarán la vida adulta de esos niños, motivo por el que son rechazados por la joven pareja. Esto plantea una reflexión muy seria y desagradable en lo concerniente a las adopciones reales: ¿no tienen derecho a adopción los niños defectuosos? Obviamente los padres prefieren niños sanos, pero ¿qué hay de los otros? Estas adopciones resultan en una especie de selección artificial, por muy crudo que resulte decirlo. No es el tema esencial de la película, la cual se centra en las dificultades de la adopción, en las trabas que van consiguiendo después de que les habían ofrecido vías expeditas para lograrla, pero asalta -al ver el filme- esta inquietud. Sería interesante que la misma realizadora hiciese una película tocante a este aspecto, ya que tiene la experiencia previa de haber hecho este filme y tiene, por añadidura, la experiencia real de haber adoptado un niño en Ucrania.

Entrevista a Daniela Fejerman.

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Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt4288534
Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film339458


14 junio 2019

Oscuro y Lucientes - Samuel Alarcón (2018)



... y el sueño de la razón produjo monstruos.


Esta película es un interesante documental... pero no sobre Goya, sino sobre su desaparecido cráneo. Supone el culmen de años de investigación que dedicó su joven director, Samuel Alarcón, tratando de seguirle la pista al cráneo de Goya, desde su muerte en Burdeos en 1828, quizás con la secreta esperanza de dar con él.

El documental, muy bien realizado, contiene una narración con la hipnótica voz -y extraordinaria dicción- de Féodor Atkine dirigiéndose a Goya, tuteándolo como si estuviese presente, informando sobre lo sucedido así como sobre las interrogantes no resueltas, a la vez que muestra imágenes fijas o en movimiento, nuevas o de archivo, de ficción o reales, en absoluta concordancia con lo que el narrador le dice a Goya. El trabajo de montaje ha sido encomiable y refleja el también enorme esfuerzo de rodaje, mucho del cual ha sido en los sitios reales donde se produjeron los hechos. La música es también un elemento notable en este curioso documental que quizás algunos califican como cine ensayo en lugar de documental. La técnica narrativa es excelente y no deja el espectador de estar pendiente en todo momento de la sugestiva narración.

Goya no es el único personaje famoso cuyos restos no cuentan con su cráneo. Los restos de René Descartes, por ejemplo, están separados de su cráneo. Y tal parece que hay tumbas de otros personajes célebres sin los cráneos(1). Una de las teorías que se mencionan en Oscuro y Lucientes es que quizás algún seguidor de la frenología, muy en boga en esa época, pudo hacerse con el cráneo del genio. Posteriormente a la realización de este filme, ha visto la luz un libro en el que se relaciona a Goya con la masonería y da una explicación alterna sobre la desaparición de su cráneo, así como una explicación de su nombre y de su apellido(2). En Oscuro y Lucientes no se explora a Goya como relacionado con la masonería. Tal parece que seguirá habiendo investigación -y quizá también especulación- sobre este tema para rato.

Magnífico trabajo.

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(1) 6 Historical Heads Stolen From Their Graves:
http://mentalfloss.com/article/66343/6-historical-heads-stolen-their-graves
(2) Goya no era Goya:
https://www.elmundo.es/cronica/2019/06/01/5ce7b88921efa0d5488b46fe.html

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt9181316
Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film186935.html


Tumba de Goya en la ermita de San Antonio de la Florida. 
Yacen juntos Goya y su consuegro Martín Miguel de Goicoechea
Fuente: Wikipedia.


07 junio 2019

Quién te cantará - Carlos Vermut (2018)



Yo soy tú


Lila (Najwa Nimri), es una célebre cantante que lleva una década desaparecida de la vida pública. Tiene que retomar su carrera para evitar la quiebra económica, pero un desafortunado accidente le ocasiona amnesia y debe volver a ser ella para enfrentarse de nuevo al escenario. Violeta (Eva Llorach), una entusiasta imitadora, le ayudará a recuperar su espectáculo. Ambas tienen conflictos, digamos "maternos", no resueltos: Lila con su madre, ya muerta, y Violeta con su rebelde hija Marta (Natalia de Molina).

La historia que cuenta este filme es la cubierta bajo la cual subyacen los problemas que, en principio, parece que quieren tratarse: las relaciones madre-hija, por una parte, aunque solo como justificación o respaldo de lo que parece ser lo medular: la identidad, o los problemas de identidad de los personajes. No se trata de lo que podría llamarse la complementariedad de las identidades: yo soy yo porque otro me reconoce igual que yo lo reconozco a él, la vieja reflexión de la antigua Grecia de que mi identidad pasa por reconocer al otro, incluso aunque sea un adversario o un enemigo, tal como él me debe reconocer a mí. No. Se trata de que los personajes que recorren esta historia no logran ser ellas mismas sin las otras, e incluso tienen que adoptar la identidad de las otras para lograr ser ellas, como si se tratase de una fagocitosis, sin serlo. Así, Lila era una gran cantante porque cantaba las canciones que su madre componía; al morir su madre -de quien también tomó el nombre de Lila- ella simplemente se apagó. De hecho, el supuesto accidente podemos entenderlo como tal accidente o como que ella simplemente se niega a existir porque su referente identitario ya no existe (su madre murió y ella dejó el espectáculo). Logra volver a ser alguien cuando Violeta le transfiere la forma de actuar y cantar (las de la cantante Lila Cassen a quien ella imita), una canción compuesta por ella (por Violeta) y hasta su nombre: al final se publicitará como Violeta Cassen en lugar de Lila Cassen. Por su parte, Violeta descubre que la célebre cantante que idolatraba, lejos de tener una vida glamorosa, en el fondo llevaba una existencia más bien triste y con muchos vacíos.

Violeta también tiene ciertas carencias, que precisamente le llevan a imitar a la cantante que idolatra: Lila Cassen. Al menos mientras lo hace se siente distinta y distante de sí misma, ejerciendo lo que siempre soñó: cantar, aunque sea karaoke: ¿qué mejor que ser, aunque sea falsamente, alguien a quién idolatra y de paso hacer lo que siempre quiso? Con su temperamental hija, Marta, tiene problemas constantemente; Marta -debido a su corta edad y a su volubilidad- no logra manejar sus conflictos identitarios: necesita la aprobación permanente de la madre, y un buen día se queda esperando esa aprobación, pese al chantaje al que siempre somete a su madre.

Establecer comparaciones es, las más de las veces, un ejercicio un tanto banal, pero a uno como espectador le vienen a la mente escenas similares a otras ya vistas antes, como esas ideas de las que hablaba Platón y que son una especie de software preinstalado. Quizás sea una suerte de homenaje disimulado a ciertas obras, quizás solo sea coincidencia, pero viendo esta excelente película, no puede uno dejar de recordar algunas escenas y ciertas partes de las historias de los filmes Persona, de Ingmar Bergman, o Blade runner, de Ridley Scott, ambos con el tópico de la identidad y del Ser como columna vertebral de la película. También hay algunas escenas -y atmósferas- que recuerdan a una de las más bergmanianas de las películas del genial Woody AllenInteriores, película que espero poder comentar en alguna ocasión y que refiere a las relaciones de las hijas -y el esposo- con la madre. Independientemente de si Vermut le hizo -o no- un guiño a estos realizadores, es una gran película. 

Los aspectos técnicos como la fotografía, el montaje o el sonido, están muy cuidados y las interpretaciones de las actrices es encomiable; no en balde han sido nominadas a numerosos premios, ganando algunos de ellos. 

Esperaremos ansiosos nuevas producciones de Vermut... y también de estas bellas actrices. 

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10 mayo 2019

Pantaleón y las visitadoras - Francisco Lombardi (1999)



Vargas Llosa comenta su experiencia 
en el rodaje de la película de 1975.

"Pantilandia" o la producción de sexo en cadena.


Esta película de Francisco J. Lombardi es una adaptación de la gran novela homónima del laureado escritor Mario Vargas Llosa. Cuenta la historia de cómo un capitán del ejército, Pantaléon Pantoja, establece un muy eficiente servicio de prostitutas (visitadoras) para mitigar la abstinencia sexual a la que están sometidos los soldados asignados en las lejanas zonas de la selva amazónica, específicamente en Iquitos, y que ha ocasionado brotes de violaciones. El proyecto va viento en popa hasta que una de las visitadoras, "la colombiana", establece relaciones carnales con el prusiano Pantaleón y el servicio, de muy bajo perfil al comienzo, se hace público gracias a un inescrupuloso reportero radial que busca beneficios a través del chantaje. A estos ingredientes se le agrega algo de envidia y ya tenemos el cóctel molotov.

El filme discurre inteligentemente entre la tragedia y la comedia, pasando por el drama. Una muy buena construcción de los personajes principales hace que este ir y venir entre las antípodas dramáticas ayude a configurar una buena película. Se podría argumentar que para ello hay que contar con la gran calidad del material en el que se basa: la novela de Mario Vargas Llosa, pero ese argumento también habría sido válido para la versión de 1975, en la que laboró el propio escritor, y aún así no fue suficiente para crear una buena película. Este es un caso patente en el que se corrobora que las adaptaciones de grandes novelas pueden -o no- ser buenas películas, pero que eso dependerá más del equipo cinematográfico que se encargue de la adaptación que de la novela per sé. También corrobora que el autor de la novela puede ser una ayuda -o no- para la creación de la versión fílmica de su obra. Es decir, que si hubiese un único canon para garantizar el éxito de una adaptación, ese sería que el equipo de trabajo cinematográfico sea el idóneo para realizar esa adaptación en particular, sin importar la novela base o el escritor de ella. Esto, desde luego, suena muy parecido a una perogrullada. Los binomios armónicos como el que ocurrió en 2001 (Clarke-Kubrick) son más bien raros.

El arco dramático del protagonista, papel muy bien resuelto por Salvador del Solar, lo lleva del prusianismo más ridículo, reflejado en el hecho de que dispone de día y hora para las relaciones íntimas con su esposa, a ser el arquetipo del disoluto, que termina no solo envuelto en la relación lujuriosa con la femme fatale (muy bien interpretada por la hermosa Angie Cepeda), sino que incluso fuma, bebe y pone en ridículo al ejército, cosas impensables para el Pantaleón anterior a su relación con "la colombiana". A pesar de ello, este personaje retorna a la cordura -aunque a una vida más insípida- al final de la historia. Más que un "arco dramático", pareciera un "círculo dramático", pues el personaje vuelve a ser el mismo de antes luego de su periplo; cerrándose, entonces, el arco.

Sin ningún disimulo, el filme cuestiona la idiosincrasia de la sociedad peruana, particularmente del estamento militar, los medios de comunicación, los manipulables habitantes del medio rural e incluso la iglesia. La hipocresía es uno de los aspectos más criticados. El Sinchi, personaje que inunda la ciudad con sus mensajes radiales, es el que en buena medida sintetiza la doble moral que diferencia lo bueno de lo malo de acuerdo al monto monetario involucrado, no a principios o a valores. La milicia es criticada no solo por los fines, sino también por los métodos.

Una de las cosas que más llama la atención es la capacidad de Pantaleón en el manejo de las variables a considerar para establecer un buen servicio de visitadoras, su cartesiana planificación, que lleva a organizar a los soldados en colas para recibir "el servicio" de cada visitadora de acuerdo a un cronograma estricto, en el que incluso está estipulado el número de minutos de los que cada soldado dispone. Para ello, el metódico Pantoja realiza ejercicios matemáticos que son hilarantes: son los que proporcionan el toque de humor de la película. Para colmo, sus estudios estadísticos son volcados a informes dirigidos a sus superiores, en los que se refiere al desarrollo del servicio en un lenguaje formal, corporativo, lo cual causa mucha gracia en el espectador. La habilidad instrumental militar es cuestionada, no en tanto habilidad como tal, pero sí sus fines y sus formas. Otros tópicos como las relaciones maritales del protagonista, el objetivo primario de la mujer fatal que lo seduce, su imposibilidad de independizarse como empresario reconociendo que debe tener superiores que le digan qué hacer (lo que parece ser un mal endémico de Latinoamérica) o la rotura de la férrea moral del individuo ante la seducción de la hembra alfa, son abordados por esta obra. La novela original incluye aún más, como es de esperarse.

La película tiene algunas diferencias con la novela original, pero no son tan importantes como para comprometer la calidad del filme. Las adaptaciones no son, ni casi nunca pueden ser, una copia al carbón del original. Es una muy buena producción dentro de la filmografía de Lombardi. Es de celebrar que haya sido el cine peruano, específicamente Lombardi, el que haya producido filmes sobre las novelas de su más insigne escritor.


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Reseña en Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Pantaleón_y_las_visitadoras_(película_de_1999)
Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0190611
Ficha en IMDb de la versión de 1975: https://www.imdb.com/title/tt0073510. Este filme estuvo codirigido por J. María Gutiérrez Santos y Mario V. Llosa, quien también actuó. Esta producción es de calidad muy cuestionable. Vargas Llosa valientemente asumió la culpa del infortunio.
Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film390387.html
Film: https://www.youtube.com/watch?v=p--lmdgTBvQ


03 mayo 2019

La mujer de la arena - Hiroshi Teshigahara (1964)




No hay necesidad de huir todavía.
Soy libre para hacer lo que me gusta.
...
Reflexión final de Jumpei.


Un profesor, Jumpei, pasea por las dunas en busca de insectos, se duerme y es sorprendido por la noche. Ante la ausencia de hotel en la zona, los lugareños lo invitan a pernoctar en la casa de una joven y solitaria viuda. No desinteresadamente, pues ellos quieren que forme pareja con la viuda y la ayude en su pesada tarea. La casa está en un foso y es continuamente afectada por la arena que el viento deja sobre ella; la viuda vive de recoger la arena y entregarla para su venta a los vecinos, quienes a cambio le proveen de agua, comida y enseres. La arena, que es salada, la venden para la industria de la construcción. A pesar de que él desea regresar a la civilización cuanto antes, se ve imposibilitado para salir de ahí. Al principio los vecinos y la mujer sabotean para que se quede; pero con el tiempo nace un vínculo entre el profesor y la mujer, él pierde el interés en irse y llena su vida con pequeñas cosas como hacer un pozo en donde percola el agua freática. Ella queda embarazada y los vecinos la llevan al médico por presentar dolores, quedando el profesor solo en casa. Pese a ello, él no se va (argumento más detallado aquí).

No deja uno de pensar en ciertos paralelismos entre este argumento y el de El ángel exterminador, de Luis Buñuel. Pero hay diferencias. Mientras que en la película del cineasta español los personajes no tienen impedimentos para abandonar el recinto, el profesor Jumpei es víctima de una trampa y no puede irse de la casa de la mujer. Los personajes buñuelianos abandonan la casa sin saber por qué estaban retenidos, mientras que Jumpei no se va de su "prisión"; quizás con el conocimiento de por qué no debe hacerlo. El profesor cayó víctima de una trampa, tal cual los insectos que él atrapa. Valga como símil que la mujer de la arena sería una suerte de araña y él su presa. Todas sus disquisiciones sobre su ventajosa vida en la ciudad se diluyen como la arena en el viento y dejan de tener peso ante una nueva realidad que la vida le ha impuesto. Este sujeto, alienado en la ciudad, ahora es igualmente alienado en su nuevo sitio de encierro, pero no sin algunas satisfacciones como lograr extraer agua de un pozo o tener sexo con su pareja. Las nuevas condiciones de vida, que apenas le parecían dignas para pasar una sola noche, son ahora su realidad diaria; la costumbre y el tiempo han hecho su trabajo: Jumpei se ha adaptado a una nueva y muy diferente forma de vida con la misma parsimonia que el viento esculpe las dunas; al principio de una manera forzada, debido a la inviabilidad de fuga, luego porque él mismo valora lo que tiene y concluye que puede seguir viviendo así. Pero no todo es malo en su nueva vida, sino su deseo de huir se mantendría incólume. El nuevo Jumpei, por ejemplo, tiene una concepción del tiempo muy distinta al Jumpei que llegó a las dunas, siete años atrás, un tiempo más ralentizado. También se siente más libre que en su vida citadina anterior. Su reflexión final se parece -guardando las distancias- a la del Cándido de Voltaire: quedarse tranquilo a cultivar su jardín es suficiente, en contraposición con las grandes expectativas que tenía en el pasado. ¿Conformismo, costumbre, satisfacción? Hiroshi Teshigahara no pretende contestar, le deja eso al espectador.

Sin pretender ser cursi, hay que acotar que es posible que uno de los elementos que hacen que Jumpei no se fugue sea el amor. Ya transcurridos meses en la casa, la relación entre él y la mujer -relación un tanto extraña para el canon estándar- tiene muchas posibilidades que haya sido permeada por el amor, un amor cuyo fruto será un nuevo miembro para conformar una familia. No es algo trivial. Si él no se va, ¿es porque descubrió un pozo de agua, porque tiene una mujer con la que tener sexo, porque tiene comida garantizada a cambio de palear arena, porque puede atrapar insectos libremente, porque ya hay amor y un futuro hijo en su existencia?

La mujer de la arena es un filme con temática existencialista por excelencia. Plantea diversos problemas comunes al morador urbano postmoderno. Tópicos como alienación, pobreza, libertad y libre albedrío, conformismo, ambiciones, la vida rural frente al mundo urbano, la fuerza de la costumbre, la ética, la relación hombre-mujer como relación de poder, la interacción con el entorno social, la relación hombre-mujer desde el punto de vista utilitarista, etcétera, son confrontados o abordados con más o menos profundidad. El discurso de Teshigahara no solo es construido por el argumento central, también por la enorme cantidad de símbolos explícitos o sugeridos que captan la atención del espectador y lo invitan a pensar. La película, que uno va a ver por vez primera con algunas reservas, atrapa desde el principio, a pesar de su cadencia lenta, porque está realizada de manera magistral, no solo desde el punto de vista discursivo sino también desde el punto de vista técnico, con unos primeros planos muy pertinentes e incisivos, iluminación y fotografía impecables, muy buenas actuaciones y una oportuna y excelente música que, cuando acompaña a las imágenes, dista mucho de ser transparente. Mención especial merecen las secuencias eróticas, que son soberbias, de gran sutileza y de una elegancia casi poética al tiempo que dejan entrever la pasión subyacente. Es, sin lugar a dudas, una extraordinaria película, una joya del cine asiático.

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Otras reseñas:

Proyecto El chico

En 2007 realizamos un proyecto en ambiente Web 2.0: traducir la película -en dominio público- El Chico, de Charlie Chaplin (1921), a diversas lenguas. Inicialmente en Google Video se tradujo a 26 lenguas, 4 de ellas por humanos: 3 por colaboradores de Portugal, Francia e Italia, y el autor de este blog. Las demás lenguas se tradujeron vía traductores online, mayormente a través de Translate Google. Actualmente la película está en YouTube, con intertítulos en 12 lenguas. Más información sobre este proyecto en este enlace. Ver la película en YouTube.

Directores de películas comentadas

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