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El cine es ensueño, es música. No hay forma de arte que vaya más allá de la conciencia ordinaria como lo hace el cine, directamente a nuestras emociones, al penumbroso recinto del alma.

Ingmar Bergman.

Bienvenid@

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Este blog no es de crítica especializada ni académica; solamente de comentarios «al dente» de un espectador común.

Advertencia

Algunos comentarios hacen referencia a momentos claves del argumento o al desenlace de este (spoilers).

16 agosto 2019

Hair - Miloš Forman (1979)




El embotellamiento del zeitgeist


Miloš Forman fue, sin duda, una de las mejores adquisiciones de origen europeo de las que se benefició Hollywood. Hair es un musical, la primera película posterior a Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), también llamada Atrapado sin salida, considerada una de sus mejores películas, si no la mejor. Hair es un alegato pacifista en contra de la guerra de Vietnam. Cuenta la historia de Claude Bukowski, interpretado por John Savage, un joven del medio rural que quiere participar en la guerra de Vietnam por patriotismo. Llega a Nueva York y conoce a un grupo de hippies en Central Park, comandado por George Berger (Treat Williams) y también a la burguesa Sheila (una encantadora Beverly D'Angelo), que pasea con su caballo por Central Park, y de quien se enamora. Con ellos vive algunos días en la Gran Manzana antes de alistarse en el ejército, en Nevada. Luego de que Claude se va, el grupo de amigos se hacen del automóvil de la familia de Sheila y viajan, con ella, hasta Nevada a visitar a Claude. Allí se intercambian papeles Claude y George para que el enamorado comparta un rato con Sheila fuera del área militar. Desgraciadamente ese intercambio de papeles también es un intercambio de destino. El argumento detallado puede leerse aquí. Este filme es hijo de la polémica y famosa producción teatral homónima, si bien la obra original se centra más en la descripción y defensa de la contracultura (o subcultura) hippie.

La película, como se ha mencionado arriba, trata principalmente de la tesis antebelicista y del sinsentido de la que, probablemente, haya sido una de las guerras con más sinsentido de la historia(1). Como una de las subtramas tiene la historia de amor de Claude y Sheila y, además, se asoma un poco al mundo hippy: la tribu de George Berger introduce al ingenuo Claude en el psicodélico mundo de las drogas antes de que ingrese en la milicia. Las escenas de las delirantes alucinaciones de Claude son exquisitas.

No puede pasar desapercibida la banda sonora de Hair, que tiene algunas de las canciones más icónicas de la época. Acaso la música sea el corazón mismo de la obra, tal como fue uno de los elementos medulares de la cultura hippie. La banda sonora está respaldada, como todo buen musical norteamericano, con excelentes coreografías, ¡con caballos incluídos! Acaso, por ser extremadamente fiel al momento histórico al cual refiere, hoy parezca vieja para el espectador que desconoce dicho contexto histórico. Para los que vivimos esa época es fácil verla, solo nos retrotraemos, ingresamos al mundo de los recuerdos y ya está ahí el contexto, aromas incluidos. Al espectador joven solo le podemos recomendar que, o bien se deje llevar, o busque temas musicales de la época, fotografías, películas. En lo que refiere a la música, la letra era sumamente importante entonces.

Finalmente, cabe destacar que llama la atención que haya sido un emigrante de la Europa del este quien haya dirigido un filme que captura con absoluta precisión y arte el zeitgeist que impregnaba la atmósfera de los Estados Unidos en aquellos turbulentos años y lo haya encapsulado en fotogramas de gran belleza y significado, logrando retratar para la eternidad las convulsiones de una vívida época de cambios radicales. Época que -a pesar de algunas cosas malas- recordamos con cariño muchos de los que la pudimos vivir en su momento. Extraordinaria película.


Una de las coreografías más logradas es la que le da inicio
a la cinta. Es antológica, al igual que el tema musical.


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(1) Vietnam fue una cruenta guerra que generó muchas muertes y también lisiados. A partir de ese entonces, cuando regresaron los numerosos lisiados de la guerra, la sociedad norteamericana -sensibilizada ante tal desastre- comenzó a implementar sistemas para la movilidad de los lisiados y su reincorporación a la sociedad, tales como programas de reinserción y apoyo; rampas en las esquinas de las aceras, donde están los pasos de peatones; baños para lisiados y un muy largo etcétera. Sobre el número de bajas hablo un poco en el comentario de Nacido el 4 de julio, otra gran película antibelicista.

Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0079261
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film826058.html


09 agosto 2019

Camarón, flamenco y revolución - Alexis Morante (2018)




El sueño va sobre el tiempo
flotando como un velero
flotando como un velero

Nadie puede abrir semillas
en el corazón del sueño
en el corazón del sueño
...


Este excelente documental describe el mundo del cantaor Camarón de la isla. El documental es narrado por Juan Diego, y está tan bien hecho que los que no teníamos ni idea de quién era este personaje, salimos de la sala no solo con conocimientos sobre su vida y su obra artística, sino también sobre su dimensión humana. Ha sido una injusticia que un artista de su talla haya vivido tan poco tiempo. Ya de esa injusticia había dado cuenta Dalí; y si bien se refería a los genios, podría extenderse a aquellas personas que destacadan sobre las demás, aunque no llegasen al calificativo de genio.

De este filme puede uno desprender algunas consideraciones como las siguientes: Camarón fue un artista comprometido con su arte y con sus raíces. Más allá de lo que el término en sí defina(1), Camarón vivía el flamenco y vivía para y por el flamenco; amaba su arte. Ese amor por el flamenco se traducía en pasión cuando lo explicitaba cantando. Sentía gran amor por su esposa y por sus hijos. Era una persona modesta, humilde, pero grande de corazón. Era capaz de intentar nuevos rumbos para el flamenco, universalizarlo y fusionarlo con otros ritmos. En La leyenda del tiempo da forma a esta novedosa idea, quizás demasiado novedosa para los tiempos en los que fue concebida. Hace falta tener un talento prodigioso para mezclar en la misma coctelera flamenco, jazz, rock y Federico García Lorca. Él se atrevió y dió a luz un portentoso trabajo discográfico.

Más allá de que el flamenco represente a España ante el mundo, de que sea una suerte de embajador cultural del país y uno de los más universalmente reconocibles patrimonios de España, es una música que expresa como muy pocas profundo sentimiento, pasión, sangre, poesía, vida. Camarón fue uno de los más insignes exponentes de este arte. Repito, ha sido una injusticia que un artista de su talla haya vivido tan poco tiempo. Gracias a los registros de audio podemos apreciar su música a través del tiempo. Y gracias al cine podemos apreciar cómo fue y cómo ejerció de cantaor. Sin duda, hemos vivido en una época afortunada, en la que todas esas maravillas tecnológicas nos permiten adentrarnos en el pasado.


Soy gitano (1989), el disco más vendido del flamenco.


El álbum La leyenda del tiempo (1979) fue un innovador
experimento de flamenco con influencias de jazz, rock... y Lorca. 
Incomprendido en su momento, como el Caravanserai 
de Santana. Ambos álbumes hoy son joyas de la música.




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(1) https://dle.rae.es/?id=3ryMAo1

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Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt8067306
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film818696.html
Artículo en Wikipedia sobre Camarón: https://es.wikipedia.org/wiki/Camarón_de_la_Isla
Ficha en IMDb de la película Camarón, de Jaime Chávarrihttps://www.imdb.com/title/tt0448404/


02 agosto 2019

El diputado - Eloy de la Iglesia (1978)




La cuerda siempre rompe por su parte más delgada.


Ha muerto Franco y España se enrumba hacia la democracia en un proceso conocido como la transición. Dentro de esta, y al margen del llamado "cine de destape", cine simplón de contenido erótico, se produjeron cintas serias luego que la censura franquista fuese abolida. A este tándem pertenece esta película del cineasta Eloy de la Iglesia, en la que destaca no solo la calidad fílmica como tal, sino el gran trabajo actoral de José Sacristán.

Roberto Orblea (personificado por José Sacristán) es un político de izquierda que ha sido elegido diputado y opta por la secretaría general de su partido. Un grupo de derecha, que sospecha de su homosexualidad (aunque habría que decir bisexualidad), lo chantajea a través de un joven (Nes), quien ha conocido a Orblea en la cárcel, para exhibir al público su condición bisexual. La honestidad del diputado le hará difícil eludir las terribles consecuencias de esta letal trampa gestada en su contra. Una honestidad que llega incluso a que comparta el joven Nes con su esposa, a quien nunca le ocultó sus tendencias bisexuales. Al final, y a pesar de que Nes -quien siente afecto por Roberto- le cuenta la trama que se está desarrollando para hundirlo, y a pesar de que ambos -contando con ese conocimiento- tratan de neutralizarla, los malos acaban con la vida del joven, manchando la reputación del diputado, quien quedará irremediablemente desprestigiado. Cualquier semejanza con numerosos hechos reales podrían, o no, ser una coincidencia.

Para la época, la temática tratada (chantaje en la política y bisexualidad) era delicada. Era la España que recién se inauguraba en los predios de la libertad, quimérica figura que ha sido el sino del porvenir para numerosas naciones. Eso no amilanó al director, quien, de cara a ese porvenir en donde la libertad sea el nuevo objeto de culto, denuncia abiertamente las injusticias, el comportamiento de los mafiosos y la intolerancia. Se ha andado en esa dirección en cuatro décadas, estoy seguro de ello. También creo que aún no se ha llegado a donde se avizoraba llegar.

La película es, formalmente, hija de la década en la que fue realizada. No lo puede disimular. En tal sentido puede parecer anticuada, pero su planteamiento no ha envejecido de igual manera.


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Reseña en Wikipedia, con argumento detallado: https://es.wikipedia.org/wiki/El_diputado
Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt0077438
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film183276.html


26 julio 2019

Gabor - Sebastián Alfie (2013)




¿Se puede filmar sin ver?


El documental Gabor narra las peripecias de Sebastián Alfie y su equipo para rodar un cortometraje que le encargó la fundación Eyes for the World de Bolivia. El cortometraje debe tratar sobre el trabajo de la fundación con los invidentes. Alfie necesita una cámara en particular para lo que tiene en mente y acude a Gabor, un veterano fotógrafo húngaro residenciado en España, para que le preste la cámara; pero Gabor está ciego desde hace diez años. Al joven director se le ocurre que Gabor colabore con el rodaje como director de fotografía. Lo que a todos -en principio- les parece un dislate, resulta ser una experiencia enriquecedora para los participantes y un trabajo final que es aceptado por la fundación, a pesar de contar con casos desafortunados de pacientes que no pudieron recuperar la vista.

Una de las sorpresas que asaltan al espectador es la honestidad con la que están rodados tanto el documental como el cortometraje para la fundación; ejemplo de ello es el haber incluido casos de invidentes que no recuperan la visión. Se ven emerger sin disimulo las desavenencias entre Gabor y Sebastián, que son zanjadas por el producto final, que hace eco de la experiencia del veterano invidente. El equipo se pudo nutrir de conocimientos sobre la logística del rodaje, sobre la luz y las tomas que mejor mostraban lo que se pretendía resaltar. Incluso aprendieron a fabricar un rudimentario y económico riel para realizar travellings con la cámara. El documental incluía tomas a alturas de más de 4.000 metros sobre el nivel del mar, condición atmosférica difícil para buena parte del equipo de rodaje.

Gabor es un documental bien hecho (tuvo nominaciones y ha ganado premios), honesto, técnicamente correcto y que nos lega una lección de vida -relativa a la voluntad de poder- de Gabor, por aceptar el reto de participar siendo invidente, es decir, con todas las apuestas en contra. A eso habría que añadirle su solidaridad para compartir sus conocimientos cinematográficos con los jóvenes realizadores. No se puede dejar de mencionar el arrojo de Sebastián por arriesgar en un terreno que se vislumbraba estéril por anticipado y su talante para aceptar las soluciones propuestas por Gabor, pese a que algunas de ellas eran contrarias a su opinión.




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19 julio 2019

Pintalabios bajo mi burka - Alankrita Shrivastava (2016)




Irreverencia bajo la férrea ley islámica.


La India es el país que produce más filmes anuales actualmente. Bollywood, como se le llama a su industria fílmica, hace más películas al año que Estados Unidos y Europa juntos. Ese es el tamaño gigantesco de la filmografía india. En 2018 hicieron casi cinco películas... ¡por día!(1). Con semejante cantidad asociada a esta industria, difícilmente podría uno esperar que fuesen de gran calidad. No todas van a ser como Pather Panchali o como ¿Quién quiere ser millonario? Evidentemente, tampoco puede uno esperar que todas sean malas porque son muchas. Así, salen productos de diversa calidad, tal como lo vaticinaría cualquier distribución estadística. Esta es de las buenas películas salidas del subcontinente superpoblado, de las mejores. Premiada y nominada en numerosos eventos cinematográficos. Para hacerla más meritoria, la dirige una mujer (Alankrita Shrivastava, a quien podemos considerar una de las más relevantes cineastas indias) y mujeres son sus personajes principales. Vamos, en el cuadro de honor.

Lipstick under my burkha o Pintalabios bajo mi burka (en traducción libre del autor) es una obra coral en la que se narran diversos relatos con marcadas situaciones de opresión(2) a las que están sometidas las protagonistas y -lo que es más importante- las maneras distintas y creativas que idean para evadir las ridículas prohibiciones que graban sobre ellas. Todo ello con un lenguaje respetuoso (políticamente correcto) con relación al statu quo y también con las víctimas que se rebelan, aderezado con toques de humor, en ocasiones elegante. Una buena sinopsis en español aquí (y en inglés aquí). La película está muy bien realizada, es inteligente en la diégesis y en la narrativa, es muy entretenida y contiene el espectro que va de la comedia al drama, quizás con algunas escenas algo cursis (para el gusto de uno al menos), pero digeribles.

Como ya se dijo en (2), es desde nuestro punto de vista occidental que a la mujer se la reprime en el mundo islámico, pero este no es el mismo juicio de valor que puede tener un practicante islámico, menos aún si es del ala talibán. Uno respeta esa opinión, si bien no la comparte e incluso la combate en la mísera medida que uno puede. Viendo el mundo tal como parece ir, el fenómeno de la globalización y las seductoras y racionales ideas de justicia de occidente, que percolan hacia oriente, y que empoderan a las mujeres por considerarlas iguales y en ningún caso inferiores a los hombres, esta película es solo una pequeña muestra de la parte que emerge de ese iceberg que representa el descontento de las mujeres bajo un yugo opresor injusto y troglodita. En este sentido, este filme aporta en dirección de la emancipación y del fin de la atadura de las mujeres orientales... al menos de aquellas que están de acuerdo con la liberación que ha abanderado occidente. 

Como quiera que sea, eso es algo que deben dilucidar las sociedades islámicas. Ya conocen nuestra opinión general, pero son ellos los que deben decidir el futuro de las relaciones hombre-mujer y mujer-sociedad en su marco moral, legal, cultural y religioso; último marco este que para ellos es muy importante. Ojalá todo vaya a ser tan jovial como en esta excelente película.

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(1) Véase: https://en.wikipedia.org/wiki/Film_industry#Largest_industries_by_number_of_film_productions
(2) Este y otros vocablos abiertamente críticos hacia lo que es una opresión injusta hacia las mujeres es, obviamente, desde nuestro punto de vista occidental, que no es compartido por buena parte de los hombres islámicos.
Reseña en Wikipedia (inglés): https://en.wikipedia.org/wiki/Lipstick_Under_My_Burkha
Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt4807830
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film744738.html


16 julio 2019

Apolo 11 - Todd Douglas Miller (2019)




Un pequeño paso para un hombre, un gran paso para la Humanidad.
Magnífica desolación.


1969. Aquél 20 de julio era domingo. Salimos temprano de casa, rumbo a la primera finca que tuvo mi padre, q.e.p.d., en Chispa. Allí celebraríamos -con la modestia propia del medio rural- el cumpleaños de mi hermana mayor. Era época de lluvias: el cultivo que tenía la finca al momento era arroz. 110 ha. de arroz. Mi padre también era entusiasta de la carrera espacial. Para no perdernos detalle del alunizaje, mi padre cargó con su radio Transoceanic, no recuerdo si Panasonic o Zenith. Tenía muchas bandas, innumerables. Para mí, que tenía solo 12 años, era algo ignoto el cómo pillar una estación de radio en tan compleja cónsola. Este tipo de noticias la oía siempre en la estación de la Voz de los Estados Unidos de América (VOA). Era una gran fiesta; yo diría que a nivel global. Durante ese año, la Omega había ofrecido un mapa de la Luna a quien lo pidiese por correo; la Shell (¿o la Creole?) habían lanzado un álbum con barajitas sobre la carrera espacial, cada vez que llenabas el tanque de gasolina, te daban barajitas para irlo completando; y la Voz de los Estados Unidos de América, ese mismo día del alunizaje (si la memoria no me falla) ofreció enviar una fotografía de los tres astronautas, a todo color a quien la pidiese. Estaba orgullosísimo de haber conseguido esos tres souvenirs.




2019. El día 1 de julio de este año se preestrenó en la Cineteca, en las salas Azcona y Plató simultáneamente, este documental que contiene imágenes del Apolo 11 que hasta ahora estaban archivadas y no habían sido vistas por el público. Centenares de horas de video y más de 10.000 horas de audio fueron procesadas para conformar un excelente trabajo documental cuyas únicas narraciones son las originales de la radio y la TV de la época, básicamente de Walter Cronkite (el que anunció el asesinato de Kennedy, seis años antes) y Johnny Carson. El documental transcurre en tiempo secuencial, desde los preparativos hasta el amarizaje de regreso a la Tierra. Contiene, como ya dije, escenas inéditas, así como audios igualmente inéditos. A pesar de que lo expliquen mil veces, cuesta mucho entender por qué ese material estuvo archivado y nadie lo utilizó. Luego del visionado del excelente film, hubo un coloquio con el director, Todd Douglas Miller, quien contestó a cuanta pregunta le hicieron, con mucha simpatía. Solo noté dos grandes ausentes en el film: 1. Wernher von Braun, el ingeniero alemán capturado a los nazis sobre cuyos hombros estaba el diseño del poderoso cohete Saturno V, que llevaría a Neil ArmstrongEdwin Aldrin y Michael Collins a la Luna. Centenares de miles de personas trabajaron para llevar este proyecto a cabo. No podrían figurar todas, pero von Braun era, de lejos, el más relevante del equipo que estaba tras bambalinas. 2. John Houbolt, ingeniero clave para la desagregación del cohete y las naves en partes o módulos acoplables en el espacio. Me parece una injusticia que ni siquiera se les haya visto en alguna escena.


Von Braun mostrando esbozos para la exploración espacial.


Walt Disney con von Braun. Disney, fascinado 
con las ideas de von Braun sobre la exploración 
espacial, fue el que lo dió a conocer al público.
Foto tomada de Wikipedia.


De regreso en 1969. Ya en casa, en la noche, pudimos ver en las noticias las imágenes que habían transmitido ese día. Probablemente haya sido en El Observador Creole. Quedamos atónitos con las imágenes que habían sido enviadas a poco más de un segundo-luz de la Tierra. En los días posteriores, la exaltación era general, todo el mundo hablaba de eso. Es un recuerdo imborrable. Dicen que todos nos recordamos de dónde estábamos cuando ocurrieron los atentados del 11 de septiembre en el World Trade Center. Y es cierto. Pero también uno recuerda dónde estaba cuando mataron a Kennedy y cuando alunizó el Apolo 11. Quizás haya otros eventos históricos que uno pueda recordar dónde estaba cuando ocurrieron, pero estos son los más impactantes que recordamos muchos. Y sin que se llamara entonces "teoría de la conspiración", había muchos escépticos que no creían que se había logrado la más grandiosa hazaña del Hombre. Simplemente no creían que eso era posible.

¿Cuál es el objetivo de estos viajes espaciales?

Al comienzo éramos nómadas, luego nos hicimos sedentarios para optimizar el proceso agrícola y pecuario, pero en nuestra naturaleza aún hay un residuo -nada despreciable- de la esencia nómada de los orígenes. Gustamos de la aventura, del averiguar qué hay más allá, de ir a verlo y constatar. Nos gustaría pensar que la exploración espacial hubiese nacido con el mismo espíritu aventurero que mueve al explorador nato. Pero ni siquiera la exploración de los mares que emprendieron los grandes navegantes de hace cinco siglos fue por amor a la exploración. Siempre hubo motivaciones de otra índole: económicas, políticas, militares.

Al comienzo, la exploración espacial parece haber comenzado como una manifestación más de la Guerra Fría entre la URSS y USA. El poder bélico que supone el dominio de los aires hace que la investigación y desarrollo de proyectos aéreos y espaciales sea una absoluta prioridad. Todos los sistemas militares actuales que tienen relación con el aire y el espacio son hijos de la I+D que se inició en la posguerra. Al público en general se nos vendió una idea más romántica y -sin duda- más elevada de la exploración espacial: la aventura y la exploración por el solo deseo de conocer. Ese objetivo, empero, también se logra dando cumplimiento al primer objetivo: el militar. De manera que ambos han ido de la mano. Hoy la investigación espacial es autónoma (eso creo) de la milicia y ha levantado vuelo propio. El objetivo de explorar el espacio por conocer y, de paso desarrollar tecnologías nuevas, es una realidad para beneplácito de los románticos y los científicos. No hace falta más que ver los grandes logros recientes. Las sondas Pioneer, Voyager, Cassini o New Horizons, el telescopio Hubble o la Estación Espacial Internacional son solo algunos emblemáticos ejemplos del altísimo nivel que ha logrado la exploración espacial. ¿Hay negocios, quizás soterrados, en relación a la exploración espacial? Quizás. Se necesitan muchas actividades outsourcing: fabricantes de equipos, investigadores, asesores y muchos estudios especializados. Mueve millardos de dólares esa industria.

¿Y qué será de los nuevos recién llegados del mundo privado?

Tanto Space X, como Virgin Galactic o Blue Origin -entre muchas otras- supongo que son negocios para hacer más dinero del que ya tienen ¿Aspiran a un googol de dólares? Quizás. Ofrecerán viajes espaciales a sus pares billonarios. Aportarán algún conocimiento al acerbo cultural humano, quizás relacionado con detalles de fabricación de equipos, que no compartirán porque los patentarán. Tampoco van a compartir planetas enteros o asteroides. Lo que sí aportarán será basura espacial, y en cantidades ingentes con los miles de satélites que lanzarán al espacio y que pulularán sobre nuestras testas. No hay problema, será vendido como un proyecto altruista para que todos nosotros nos beneficiemos de algún servicio que proporcionarán ese enjambre de satélites, mientras lo paguemos. Siempre es así. Posteriormente lanzarán alguna empresa que recolecte esa basura; pagada por los contribuyentes, claro. Una excepción, honrosa (eso supongo), la constituye la iniciativa Breakthrough; parece que de verdad quieren -a través de sus diversos proyectos- dar con los alienígenas. Quizás haya algún negocio escondido tras contactar con los alienígenas que nosotros, las personas de a pie, no visualizamos a día de hoy. En cuanto al retorno a la Luna, este podría estar relacionado con la explotación minera para obtener helio-3, clave para la fusión nuclear, panacea de la energía limpia e ilimitada. Pero eso es otra historia. De cualquier forma, provisionalmente sea bienvenida la "exploración espacial" privada.

A la NASA, la ESA, el SETI y muchos otros organismos que trabajan, algunos mancomunadamente, para engrandecer el conocimiento del cosmos, no podemos menos que aplaudir su labor y apoyar en lo que podamos su misión. Ellos son los herederos directos de Thales de Mileto, Demócrito,... Galileo, Newton, Einstein...


Galaxia NGC 1566 o Bailarín español.
Créditos de la imágen: NASA, ESA, Hubble; Processing & Copyright: Leo Shatz.


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12 julio 2019

Alas de esperanza - Werner Herzog (1999)




La voluntad de poder en plena acción


Werner Herzog es un prolífico documentalista. En este filme, de apenas una hora de duración, nos cuenta la odisea de Juliane Kopcke, única sobreviviente de un accidente aéreo ocurrido en la amazonia peruana en 1971. En este documental, Herzog cuenta con la compañía de J. Kopcke, que narra su experiencia e identifica los hitos de su viaje a través de la selva. Para la ejecución del documental, no solo se desplazaron hasta el sitio de los hechos, sino que incluso desvelaron piezas del avión siniestrado y visitaron a uno de los lugareños que le salvó la vida a Juliane; quien, por cierto, se contentó mucho con la inesperada visita de ella. Herzog, que también aparece en el documental, cuenta que él iba a abordar ese mismo avión y a última hora no pudo. También comentó que Juliane luchaba por sobrevivir cerca de donde él y su equipo estaban en la etapa de preproducción de Aguirre: la ira de Dios. Juliane se había criado en la selva, de manera que conocía alguna información que le fue valiosa para salvar su vida. Mucha de esa información la cuenta Juliane en este filme. Juliane, como defensa ante el trauma que eso significó, habla de su experiencia con cierta distancia, como si se tratase de un conocimiento de texto, no de una experiencia personal.

Esta aventura fue dramatizada para el cine en una película de título Milagro en el infierno verde. Esta producción no reflejaba la realidad de la experiencia de Juliane ni el entorno o los peligros. Muy lejos de ser realista era más bien sensacionalista y falsa, tal como Juliane ha comentado en entrevistas y en este documental de Herzog.


La Juliane Kopcke venezolana

Viendo esta excelente película, no deja uno de recordar el caso de la doctora Raiza Ruiz, quien diez años después, en 1981, fue la única sobreviviente del fatídico vuelo de una avioneta que cayó en la selva amazónica con cuatro personas a bordo. Ella iba a realizar su trabajo como médico rural en un apartado pueblo cerca de la frontera entre Colombia y Venezuela (Maroa). Era, en ese entonces, estudiante de medicina en la UCV. La dificultad para acceder al sitio del accidente desmotivó a las autoridades "competentes", quienes prefirieron certificar la muerte de los tres pasajeros y del piloto antes de seguir buscando en la intrincada selva. Fueron, por consiguiente, firmadas actas de defunción y enviadas unas urnas con supuestas osamentas de las víctimas. Siete días después del accidente, la valiente Raiza apareció cerca de un pueblo, maltrecha pero viva. El escándalo fue mayúsculo, ¿cómo era posible que se habían firmado actas de defunción de los cuatro ocupantes y había un sobreviviente?, ¿qué había, entonces, en los ataúdes?

Creo que fue en la década de los 90's cuando tuve la oportunidad de conocerla. Trabajaba como investigadora y profesora de posgrado en el Instituto de Medicina Tropical de la UCV. Obviamente ya se había recuperado de tan traumática vivencia. Me di cuenta de que era una mujer con buen humor, así que no pude resistirme a preguntarle ¿doctora, usted está viva o está muerta? Lo que era una pregunta jocosa (yo creía superados los ridículos jurídicos del caso) resultaba tener una respuesta dramática: para algunas cosas, sobre todo de carácter legal, estaba muerta, para otras estaba viva. De manera que Raiza Ruiz no solo es otra exponente viva y genuina de la voluntad de poder, sino también de las aberraciones jurídicas.

Es lastimoso que ningún cineasta venezolano -hasta donde yo sé- haya tomado este caso para realizar una película que le haga justicia a este personaje que, al igual que Juliane Kopcke, es mujer, es investigadora científica y ha sido sobreviviente única de un accidente aéreo en la selva amazónica.


Entrevista a la doctora Raiza Ruiz (1a. parte).

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Ficha de María Koepcke, madre de Juliane, científica que falleció en el vuelo: 

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Enlaces relativos a la doctora Raiza Ruiz:

Raiza Ruiz, el Milagro de una sobreviviente en el Amazonas; donde se cuenta la odisea de esta mujer excepcional: http://elchamancito.com.ve/raiza-ruiz-el-milagro-del-amazonas/
Raiza Ruiz, caída del cielo; entrevista a la dra. Raiza Ruiz: http://www.rescate.com/raiza.html


05 julio 2019

Retablo - Álvaro Delgado-Aparicio (2018)



Cuando la intolerancia es limitada por el amor.


Advertencia: El comentario contiene spoilers.

Segundo Paucar, un joven de 14 años, vive con sus padres en una apartada región de los Andes peruanos. Aprende el oficio de tallar de su padre, Noé, a quien le ayuda a llevar las obras al pueblo cercano para su venta. Un día ve accidentalmente una escena que le hace añicos la visión que tenía de su padre (escena que es producto de la supina imprudencia del padre). A partir de entonces, se distancia sobremanera de él y ya no le ayuda en el taller. Su nueva conducta también le lleva a tener desavenencias con su madre, Anatolia. Segundo está a punto de irse con un amigo a trabajar en los algodonales de otra región, cuando su padre es salvajemente golpeado por vecinos que descubren su condición de bisexual y que no solo no toleran ese comportamiento, sino que casi lo matan por ello. Cuando Anatolia se entera del motivo de lo ocurrido, le da la espalda a Noé y se va a casa de su madre. Segundo no es capaz de dejar a su padre malherido y solo, a pesar de los ruegos de su madre para que le acompañe. Noé tomará una infortunada decisión y Segundo abandonará la casa, no sin llevarse los utensilios para tallar los retablos ayacuchanos.

Con largas tomas, escasos diálogos -en quechua y en español- y cadencia lenta, esta película muestra la hipnótica y bucólica atmósfera de la zona andina y de sus pobladores con gran maestría; no sin nutrirse de una muy buena fotografía, así como de música convenientemente dosificada. Valiéndose de estas características, así como de las buenas actuaciones de los tres actores principales, la película de Delgado-Aparicio transmite a la perfección los sentimientos que invaden a los personajes, atrapados en un nicho social en donde el machismo decimonónico, la intolerancia al diferente, las viejas costumbres y prejuicios modelan, tallan como Noé las figuras de los retablos, el comportamiento y la respuesta desproporcionada a una conducta que se considera impropia. Y las respuestas de los personajes, vistas a posteriori, son las que se espera que sean en una comunidad tal: intolerancia -aunque letal- por parte de los otros hombres; rechazo absoluto de su pareja y defensa solidaria y cuidado por parte del hijo, quien es, para sorpresa del espectador, el que muestra una respuesta más madura ante el conflicto, a pesar de ser el más joven. Segundo se había distanciado, incluso había reñido con su padre, pero de eso a dejarlo herido y solo como un perro callejero hay un gran trecho. Trecho que el chico no está dispuesto a transitar. 

La reacción de Anatolia es comprensible en ese medio rural. Incluso si fuese en un medio más sofisticado y culto sería similar. Llama la atención la respuesta de Segundo, que se crece y revierte el resentimiento en cariño y cuidado para su padre. La decisión final de Noé sorprende un poco, pues si bien era posible, no parecía probable. ¿Es por redención, por castigo autoinfligido, por vergüenza o por librar al hijo del estigma social que padecerá por su culpa? Puede que sea por todo esto.

La película nos deja un sabor amargo y una reflexión: ¡qué difícil lo han tenido -y aún lo tienen- los que son diferentes! A más acusada diferencia, mayor dificultad. Muchos han pagado con el más alto precio esta condición. Excelente película.




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Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt7761590
Ficha en FilmAffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film552763.html
Reseña en Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Retablo_(película)


28 junio 2019

Las Hurdes, tierra sin pan - Luis Buñuel (1933)



Detalle curioso: en los pueblos de Las Hurdes, nunca hemos escuchado una canción...
Las escenas que presenciamos son de una miseria desoladora...
Dice el narrador, Francisco Rabal.

El filme animado Buñuel en el laberinto de las tortugas (Salvador Simó, 2018) narra la historia de cómo Buñuel encaró la realización de Las Hurdes, tierra sin pan, su único documental o, como lo llama al inicio, "ensayo cinematográfico de geografía humana". Uno de los hechos más relevantes relacionados con la realización de esta película es la honorabilidad de su amigo, Ramón Acín, que le ofreció financiarla si ganaba la lotería... y la ganó... y, en efecto, le financió esta película. Podemos considerarla, dentro de la filmografía buñueliana, una obra menor, pero sin ella probablemente no hubiéramos tenido el Buñuel postrero y sus grandes obras maestras. Ya con este solo hecho sería lo suficientemente importante, pero hay más. Con Buñuel siempre hay más.

Lo más que hay tiene que ver con el documental mismo. Es un documental que denuncia sin cortapisas la mísera condición en la que vivían los habitantes de Las Hurdes. No tuvo que provocar demasiadas situaciones (manipuló algunas, como todo documental) para dramatizar la ya trágica realidad de los pobladores. No hace concesiones Buñuel, no salen frases complacientes ni optimistas de la boca de Rabal, ni hay imágenes adornadas; todo lo contrario, muchas son grotescamente surrealistas como la del niño muerto y el transporte de su cadáver, o las de los cretinos. Algunas recuerdan escenas de El perro andaluz, como la del burro devorado por abejas (escena provocada por Buñuel, al igual que la de la cabra que cae muerta). La película estuvo prohibida en España: eso es sintomático de que habrá causado algún prurito en las autoridades del gobierno, pese a que el mismísimo rey Alfonso XIII había visitado la pobrísima zona solo unos años antes (¿no vio nada este señor que le llamara la atención?). Es decir, que hasta con un "simple" documental de media hora Buñuel era capaz de generar polémica y escándalo. Todo un genio.

Las únicas palabras aleccionadoras -pero desafortunadas- son al final del filme, cuando se ofrece que habrá cambios profundos gracias al movimiento político que se estaba gestando. Dice el intertítulo que el Frente Popular, de ideología comunista -o socialista- iba a arreglar las cosas. Jamás sabremos si eso hubiese llegado a ocurrir porque dicha facción no llegó a gobernar. Lo que sí sabemos es que esa ideología ha traído muerte y miseria donde ha conseguido el poder, tal como en la URSS, en Cuba o en Venezuela. El bando ganador impuso una tiranía de más de tres décadas, si bien con un lento progreso económico enmarcado por la conculcación de libertades y por la ejecución de disidentes. Tal parece que España estaba condenada a priori: ninguna opción era buena, solo tenía dos malas opciones(1). El avance del ser humano ha sido muy grande, muy dinámico, desde el punto de vista científico, pero desde otros puntos de vista no parece que estemos mucho mejor que en la Edad Media o en la antigüedad. Esa estática parcial de nuestra historia es la que le da vigencia a tantas obras como esta.


El viaje de S. M. el rey D. Alfonso XIII a la zona, en 1922.


El rey Juan Carlos I y la reina Sofía, 76 años después.

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(1) Hace años, en un programa de radio, le oí decir a una mujer que se había mudado a Israel con su esposo e hijos, y que vivía cerca de la franja de Gaza, que no había un bando bueno y otro malo, que ambos bandos eran malos.


21 junio 2019

La adopción - Daniela Fejerman (2015)



Cuando te cambian las reglas después que el juego ha comenzado.


Una pareja española (Natalia y Daniel) va a un país de Europa del este para adoptar un niño, pero las circunstancias no son las que habían pensado, carecen de información que -supuestamente- les había sido enviada por correo y la corrupción y trabas burocráticas enlodan progresivamente su existencia. Lo que debería haber sido una experiencia gratificante deviene en un via crucis.

Es un filme correctamente realizado y tiene buenos momentos. Uno de sus mayores logros es haber mostrado el deterioro progresivo de la relación de pareja a medida que ven su objetivo más difícil de lograr; esto es trabajo actoral muy bien llevado a cabo por Nora Navas y Francesc Garrido, de la mano de Daniela Fejerman. También muestra correctamente el contexto social de un país que es víctima de una burocracia y corrupción que recuerda a los países del bloque socialista tras la cortina de hierro en la guerra fría. La lengua que hablan sus habitantes (lituano) contribuye a reforzar esta percepción. Cuarenta o cincuenta años han pasado y todo parece seguir igual.

Un aspecto que llama la atención es que los niños ofrecidos a la pareja tienen -invariablemente- enfermedades congénitas, en algunos casos muy graves y que limitarán la vida adulta de esos niños, motivo por el que son rechazados por la joven pareja. Esto plantea una reflexión muy seria y desagradable en lo concerniente a las adopciones reales: ¿no tienen derecho a adopción los niños defectuosos? Obviamente los padres prefieren niños sanos, pero ¿qué hay de los otros? Estas adopciones resultan en una especie de selección artificial, por muy crudo que resulte decirlo. No es el tema esencial de la película, la cual se centra en las dificultades de la adopción, en las trabas que van consiguiendo después de que les habían ofrecido vías expeditas para lograrla, pero asalta -al ver el filme- esta inquietud. Sería interesante que la misma realizadora hiciese una película tocante a este aspecto, ya que tiene la experiencia previa de haber hecho este filme y tiene, por añadidura, la experiencia real de haber adoptado un niño en Ucrania.

Entrevista a Daniela Fejerman.

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Ficha en IMDb: https://www.imdb.com/title/tt4288534
Ficha en Filmaffinity: https://www.filmaffinity.com/es/film339458


Proyecto El chico

En 2007 realizamos un proyecto en ambiente Web 2.0: traducir la película -en dominio público- El Chico, de Charlie Chaplin (1921), a diversas lenguas. Inicialmente en Google Video se tradujo a 26 lenguas, 4 de ellas por humanos: 3 por colaboradores de Portugal, Francia e Italia, y el autor de este blog. Las demás lenguas se tradujeron vía traductores online, mayormente a través de Translate Google. Actualmente la película está en YouTube, con intertítulos en 12 lenguas. Más información sobre este proyecto en este enlace. Ver la película en YouTube.

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